Техники изобразительного искусства

24.06.2019

Автор: Марион Бодди-Эванс

01 из 14
Техника живописи: ручки и акварель
Если вы когда-нибудь задумывались «как художник это сделал?» и ищете ответы, тогда вы находитесь в нужном месте. Эти фотографии различных методов рисования помогут вам выяснить, что было использовано для создания различных эффектов и стилей живописи, а также как научиться делать это самостоятельно.

Эти перья были нарисованы акварелью поверх водонепроницаемых или перманентных черных чернил.

Самое важное, что нужно помнить при работе с ручками и акварелью, это то, что чернила в ручке должны быть водонепроницаемыми, иначе они размажутся при нанесении акварели. Это кажется очевидным, знаю, но если у вас под рукой есть разные ручки легко ухватиться за ту, что не является водонепроницаемой или перманентной. Этикетка на ручке всегда скажет Вам о ее свойствах.

В зависимости от ручки и бумаги, возможно, придется подождать минуту или две, чтобы чернила полностью высохли, прежде чем добавить акварель.

Если чернило не полностью сухое, Вы сразу это увидите, потому что оно немедленно растечется. К сожалению, после того, как это произошло, вы не можете исправить этого, поэтому придется начать снова, скрыв его под непрозрачной краской. Гуашь смешивается с акварелью или, если у вас есть туба «белой акварели», она тоже хорошо подойдет.

Можете ли Вы сначала нанести акварель, а уже потом рисовать ручками? Это вполне реально, просто подождите, пока краска высохнет, чтобы чернила не распространялось волокнами бумаги. Лично мне легче сначала работать с ручкой, так проще отслеживать, где я, так сказать, нахожусь на рисунке.

02 из 14
Техника рисования: ручка с водорастворимыми чернилами + мокрая кисть
Этот рисунок создавали с помощью ручки с водорастворимыми чернилами, а также кистью с чистой водой.

Если вы используете ручку и акварель, то обычно это ручка с водонепроницаемыми чернилами, поскольку вы не хотите, чтобы оно размазалось и распространилось изображением.

Но для монохромного рисования, используя ручку с водорастворимыми чернилами, а затем превращая его в жидкие чернила, смазав мокрой кистью, можно создать прекрасный эффект.

Результатом является смесь линий и тонов (два элемента искусства). Степень растворения линии зависит от количества воды, которую вы применяете (насколько мокрой есть кисть), а также от того, насколько агрессивно вы работаете кистью, или насколько бумага поглощает воду. Созданный тон может меняться от очень светлого до достаточно темного. Вы можете полностью «потерять» линию или вымыть из нее тон, не меняя ее характера.

Небольшая практика — и вы быстро почувствуете эту технику. Черный, конечно, не единственный вариант. Ручки с водорастворимыми чернилами бывают разных цветов.

03 из 14
Техника рисования: ручка с водорастворимыми чернилами (цветные вариации)
Чернильный портрет на водной основе
Цветовая вариация в этой работе была создана с одной якобы «черной» ручки!

Работа с мокрой кистью на рисунке, выполненном с помощью ручки, содержащей водорастворимые чернила, превращает линию на кляксу. В зависимости от того, сколько воды вы используете, большая или меньшая часть линии растворяется.

То, какого цвета размытие Вы получите, зависит от чернил; это не всегда такой оттенок, который Вы ожидаете, особенно с более дешевыми ручками. (Потенциальная проблема с использованием дешевой ручки заключается в том, насколько светлым чернила могут быть, но они отлично подходят для экспериментов, просто оберегайте работу от прямых солнечных лучей.) В примере на фотографии я использовал черный маркер «Berol», приобретенный в супермаркете. Как вы можете видеть, он «растворяется» в два цвета. Этот результат, по моему мнению, является достаточно эффективным и выразительным.

Насколько водорастворимым может быть чернило в ручке, зависит от марки, но отправной точкой является поиск таких, на которых не указано «водонепроницаемый», «водостойкий», «перманентный». Важным фактором может быть также длительность сушки чернил на бумаге; некоторые водонепроницаемые ручки немного размазываются, если немедленно нанести на них воду.

04 из 14
Техника живописи: рисование по акварели
Работа с цветным карандашом по акварели является полезным методом для добавления деталей.

Концепция создания рисунка карандашом, к которому вы потом добавляете акварельные краски, является распространенной, но мысль о рисовании поверх высушенной акварели некоторые считают «нечестным». Типа, когда вы начали работать с краской, вы не сможете откатиться на предыдущий этап. Это не так! Разделение между рисованием и живописью является штучным; это произведение искусства, которое создаете вы!

Острый карандаш является идеальным инструментом для добавления мелких деталей, для создания четкого края. Многим людям проще контролировать направление и ширину линии с помощью карандаша, чем кисти. Держание вашей руки на твердом карандаше увеличивает контроль над процессом.

Следите, чтобы кончик карандаша был очень острым и не ленитесь сделать паузу, чтобы заточить его. Вращайте его в пальцах, когда используете, это помогает сохранить его остроту. Если вы действительно ненавидите точить карандаши, начните с полдюжины одинаковых и периодически меняйте их.

В приведенном примере я работал над акварельной картиной (после того, как она высохла!), Используя темно-синий графитовый карандаш. В частности, индиго из диапазона цветов «Derwent», который имеет глубокую темную землянистость, которая отличается от обычных цветных карандашей. Он также является водорастворимым, поэтому очень важно, чтобы акварель была абсолютно сухой! Как вы видите, это позволило мне четко освещать края и вводить тень. Обратите внимание, например, как он видоизменяет рот, создает тень на мочке уха, нижней части воротника и выделяет край рубашки.

Очевидно, вам не нужно использовать водорастворимый карандаш с этой техникой. Это был мой личный вызов перед самим собой, но я также выбрал его в надежде, что могу потом превратить его в краску, если хочу.

05 из 14
Техника живописи: соль и акварель
Эта картина была создана с использованием соли на влажной акварельной краске.

Когда вы бросайте соль на влажные акварельные краски, соль впитывает воду в краску, растягивая краску по бумаге в абстрактные узоры. Используйте соль в больших кристаллах, а не мелкую, чтобы она не поглощалась. Когда краска высохнет, осторожно вытрите соль.

Экспериментируйте с разной степенью влажности вашей акварельной краски и количеством соли. Если краска будет слишком сухой, соль не сможет впитывать ее много. Если же акварель очень развести водой или добавить слишком много соли — вся ваша краска окажется поглощенной.

06 из 14
Техника живописи: лессировка цветов
Эти «сложные цвета» были получены с помощью использования нескольких этапов лессировки.

Если вы смотрите на картину, которая имеет «сложные цвета», где цвета имеют глубину и внутренний отблеск, а выглядят «твердыми» и «плоскими», то они почти наверняка созданы методом лессировки. Это когда несколько слоев цвета наносятся друг на друга, а не используется только один слой краски.

Ключ к успешной лессировке заключается в том, чтобы не красить новый слой, пока текущий НЕ БУДЕТ сухой. Если речь идет о акриловых красках или акварели, то вам не придется ждать очень долго, чтобы это произошло, а вот с масляными красками вам нужно быть терпеливыми. Если вы будете писать поверх еще мокрой краски, слои будут смешиваться, и вы получите физическую, а не оптическую смесь цветов.

07 из 14
Техника живописи: капельная
Этот эффект был создан, позволяя жидкой краске капать на холст, а после высыхания результат покрыто лессировкой.

Добавление капель в картину, намеренно или случайно, может дать результат, интригующий и интересный для зрителя. Если вы пишете жидкой краской на вертикальном полотне, например, когда работаете на мольберте, а не на полу / столе, то вы можете использовать гравитацию, чтобы добавить этот якобы случайный элемент живописи. Набирая большое количество жидкой краски на кисть, а затем нажав им на полотно и не перемещая его, вы получите небольшое пятно краски на холсте.

Через достаточно большое количество краски, сила притяжения тянет ее вниз ручейками.

Вы можете помочь этому процессу, нажав на краску пальцами, или дуя, чтобы начать ее движение. (В направлении, в котором хотите получить этот эффект). Если работаете с большим количеством краски, вы можете вращать холст, чтобы манипулировать, куда двигаться каплям.

На фото изображен фрагмент картины, который называется «Дождь/Огонь», созданная она акрилом. Когда начальный слой красного был не совсем сухим, я нанес оранжевую краску и позволил ей стекать вниз. Если посмотрите на верхнюю часть работы, вы можете увидеть, где я размещал мою кисть. Когда краска капала вниз, она смешалась с еще влажной красной краской. Затем методом лессировки я добавил слой темно-красного цвета, как только все было сухое, поэтому капли более оранжевые в верхней части, чем снизу.

Если вы работаете с маслом, разбавляйте краску спиртом. если вы
используете акрил, подумайте об использовании медиумов, если не хотите сделать краску слишком жидкой. Альтернативно, используйте жидкий акрил.

В случае с акварелью не имеет значения, сколько воды добавляется в краску. Вы можете управлять направлением капель краски с помощью кончика чистой, влажной кисти.

08 из 14
Рисование с помощью гравитации
Вы можете зайти с предыдущей техникой живописи (капельной) еще дальше, используя среду, которая помогает краске разноситься и течь. С помощью силы притяжения распространяйте краску полотном, наклоняя и переворачивая его, чтобы изменить направление.

На фото изображены два морских пейзажи, которые я писал, повернув большое полотно на 90 градусов, чтобы краска была растянута силой притяжения. Результат отличается от того, который создается кистью: более свободный, более случайный, более органичный. Жидкая краска, которая растекается, должна стать краем моря, пульсациями на мели у берега. Как только она просохнет, я могу повторить процесс с другим тоном. После этого я разбрызгиваю белую пену на берегу.

Для акриловой краски разные производители изготавливают средства, снижающие вязкость краски, поэтому она легко растекается. Это не научное описание, но я считаю, что медиум делает краску более приспособленной к таким методам рисования, чем обычная вода. Для масляной краски добавления растворителя или алкидного медиума лучше стимулирует растекание краски.

Я перемешиваю медиум и краску на моей палитре, а уже потом кистью наношу на картину. Или я наношу немного медиума непосредственно на полотно с еще влажной краской. Каждый с этих способов создает разный результат; эксперименты научат вас, что вы можете получить. Помните: если вам не нравится результат, вы всегда можете перерисовать нужный фрагмент.

Это совсем не катастрофа, а лишь шаг в процессе творчества!

09 из 14
Техника живописи: слои краски (не смешанные)
Фото разных оттенков голубого, использованных в написании моря
Море в этой картине создавалось с помощью наложения различных оттенков голубого друг на друга, с минимальным смешиванием.

Море часто мерцает светом, изменяя цвета и тона, когда мы смотрим на него. Чтобы попытаться уловить это, я использовал различные оттенки синего и белый в разбитых слоях, так что некоторые из них просматриваются сквозь другие, это выглядит значительно лучше, чем рисование моря хорошо смешанными цветами, последовательно.

Темный голубой — это прусский голубой, которых может быть разведен акриловой краской или чернилами. Светлый синий цвет — церулевий голубой и самый светлый — бирюзовый кобальт. Там также использованы морские синие акриловые краски. Плюс титановый белый и, на небе и переднем плане, немного умбры.

Я частично использовал краску прямо из тубы, разведенную водой, лессировку и акриловый медиум. Добавлял белый цвет, чтобы сделать прозрачный синий темнее и увеличить вариации цвета.

Голубые цвета наносились один на другой, иногда длинными мазками, иногда короткими. Направление здесь важно и должно отражать тему. Здесь я работал горизонтально, следуя за горизонтом, и двигаясь чуть ближе к береговой линии, поскольку волны естественно искривляются.

Я избегал полного смешивания цветов (а это обычное искушение во время рисования мокрым по мокрому). Каждый цвет проявит себя и позволит отдельным участкам заглянуть через слои. Лучше смешивать меньше, чем слишком много. Если в конечном итоге вы получите «жесткий», навязчивый край, вы можете смягчить его, нанеся немного другого синего оттенка, а затем смешать их.

Пишите слой за слоем, добавляйте и скрывайте. Не ожидайте, что все удастся с первого раза, не устраняйте то, что выглядит плохо, работайте над тем, чтобы исправить этот фрагмент. Все это добавляет глубины законченному полотну. Я люблю работать над картиной в течение нескольких дней, это дает время для краски полностью высохнуть и оценить то, что я сделал. Не забывайте регулярно отходить подальше от полотна, поскольку картина выглядит совсем другой на расстоянии и вблизи.

10 из 14
Техника живописи: смешивание цветов
Мягкий переход цвета в этой картине был сделан путем смешивания краски, когда она еще была влажной.

Если вы сравните глубокий оранжевый цвет солнца с тем, что на вершине холма в этой картине, вы увидите, что холм имеет очень четкие, жесткие края, тогда как солнце — наоборот сливается с оранжевым и желтым цветом. Это делается путем смешивания цветов, пока они еще влажные.

Если вы рисуете маслом или пастелью, у вас есть много времени для смешивания.
Если вы работаете с акрилом или акварелью, вы должны работать очень быстро. Чтобы смешать цвета, нанесите те, которые должны быть расположены рядом друг с другом, а потом возьмите чистую кисть и осторожно пройдитесь ею там, где пересекаются эти два цвета.

11 из 14
Техника живописи: переливающаяся масляная пастель как фон для живописи
Фото золотого фона для рисования или печати с помощью переливающейся масляной пастели.
Фон для этого линопринта был создан с помощью золотой масляной пастели.

Одной из проблем в работе с золотой краской может быть получение ровного, гладкого результата. Поэтому для этого линопринта я использовал переливающиеся пастели, которые затем хорошо смешал пальцем. Еще одно преимущество заключалось в том, что мне не приходилось ждать, пока она высохнет, прежде чем на нее нанести трафарет.

Примечание: я использовал для трафарета на фоне с масляной пастели рельефные чернила на масляной, а не на водной основе. Пастель слегка стирается, если вы прикоснетесь к ней, поэтому ваше произведение должно быть защищено под стеклом.
Сфокусируйте свет правильно и переливающаяся пастель на фотографиях будет выглядеть очень красиво, поэтому делать принты из подобных иллюстраций, безусловно, вариант!

12 из 14
Техника живописи: разбрызгивание
Эта фотография показывает две детали из морского пейзажа, где береговая линия была нарисована с помощью техники разбрызгивания поверх сграффито.

В следующий раз, когда вы будете менять свою зубную щетку, не выбрасывайте старую, а положите ее в артбокс. Это идеальный инструмент для разбрызгивания. Вы погружаете кисть в жидкую краску, направляете ее на рисунок, потом делаете движение пальцем (или ножом / ручкой другой кисти) вдоль щетины. Не забудьте сделать это от себя, чтобы краска полетела в противоположную сторону от Вас.

То, что дает эта техника — это распыление мелких капель краски. Если вам нравится абсолютный контроль, это, пожалуй, не та техника, которой вы будете пользоваться. Хотя даже с практикой Вы можете направлять, куда краска примерно полетит, но она любит распыляться вокруг и добраться до мест, к которым не ожидаете.

Размер капель зависит от того, насколько жидкой является краска, от того, сколько ее попало на зубную щетку, и от того, как она двигается. Вам не обязательно использовать именно зубную щетку для разбрызгивания, любая другая плотная щетка подойдет. Попробуйте этот метод сначала на странице Вашего скетчбука для рисования или просто на куске бумаги. А если Вы делаете это на картине, которая полностью высохла, вы всегда можете стереть краску и попробовать еще раз. (Хотя, если вы используете акрил, не медлите, поскольку эта краска быстро высыхает.)

Чтобы не распылять краски в определенной области, замаскируйте ее. Самый простой способ — удерживать бумагу/ткань, прикрывая участок, который не желаете забрызгивать.

13 из 14
Техника живописи: водорастворимый графит / карандаш
Эта учебная работа была создана с помощью водорастворимого графита.

Сначала были нарисованы линии, а затем использована смоченная водой кисть, чтобы превратить часть графита на краску. Я также подхватил немного цвета кистью прямо с карандаша, а также порисовал карандашом на еще мокрых участках бумаги. Техника такая же, как и в случае с цветными карандашами, за исключением того, что вы работаете только в серых тонах.

Если вы будете использовать на сухой бумаге водорастворимый графитовый карандаш, он даст такие же результаты, как и обычный. Пройдитесь по нему кистью с водой — и графит превратится в серую прозрачную краску, как акварель. Работа с ней на мокрой бумаге дает мягкую, широкую линию, которая расплывается по краям.

Водорастворимые графитовые карандаши имеют разную степень твердости, в деревянном корпусе, или же в форме палочек. Второй вариант имеет следующее преимущество — Вам не нужно останавливаться, чтобы заточить его. Просто оторвите кусочек обертки, чтобы открыть больше графита. Также Вы можете затачивать графитовую палочку с помощью точилки, как обычный карандаш или еще более простой метод — быстро заточите ее о бумагу.

14 из 14
Техника искусства: гуашь и цветной карандаш
Смешанная техника изобразительного искусства, сочетающая гуашь с цветным карандашом
Будучи непрозрачным, слой краски гуашь скрывает любые отметки карандаша под краской гораздо лучше, чем акварель. Но вы можете работать карандашами и поверх нее (графитовыми или цветными), даже по еще влажной краске.

Как вы можете видеть на фрагментах картины, детали, созданные коричневым цветным карандашом по краске гуашь, варьируются. В некоторых местах он вытеснил краску, но не оставил никаких отметок карандашом на бумаге. В других местах он переместил краску и оставил коричневую линию. (Оба этих случая можно назвать техникой сграффито). Там, где краска была сухой, цветной карандаш оставил линию на поверхности краски. Таким образом, один карандаш может создавать различные эффекты с краской.

Я понимаю, фиолетовый — это не тот цвет, который ассоциируется с хорошим здоровьем, и его применение может показаться странным выбором для рисования человеческой фигуры. Но к концу сеанса я использовал остатки краски и не хотел браться за новую. Как ни крути, но пурпурный лучше, чем зеленый лимон, который можно увидеть в районе плеча. Это безусловно нездоровая бледность! Я попытался сосредоточиться именно на тоне, а не на оттенках, и затем использовал карандаш, чтобы добавить немного выразительности в форму фигуры.

Источник: https ://www. liveabout.com/fine-art-painting-techniques-4122812

Виды рисунка по использованию изобразительных средств — Ghenadie Sontu Fine Art

February 29, 2020

С работы над рисунком начинается наш путь в изобразительном искусстве. На какие виды делятся рисунки, какие методы и техники исполнения использует художник – эта тема заслуживает особого внимания. Изображение, которое с помощью линий и точек передаёт главные признаки предметов, востребовано в различных видах изобразительного искусства. Оно служит основой для создания художественного образа. Виды рисунков различаются по методам рисования, технике исполнения, темам и жанрам и т.д. Поговорим об этом подробнее:

Линейно-конструктивный рисунок – художник использует линии разной толщины, тона и фактуры. Этот вид применяется в архитектуре, так как наиболее чётко передаёт конструкцию предметов. Он даёт возможность показать модели в разрезе. Тем, кто приступает к занятию рисованием, рекомендуется начинать с этого вида рисунка, чтобы научиться анализировать особенности модели.

Линейно-конструктивный с условной светотенью – этот вид уже позволяет передать степень освещения деталей модели и их положение по отношении к источнику света. На занятиях в художественных школах упражнения в этом виде рисунка очень важны. Учащиеся под руководством педагогов стараются передать особенности архитектурных элементов – например, капители. Или же предметов сложной формы. С помощью такого способа рисования уже можно обобщить сложные конструкции.

Свето-теневой – на этом виде рисунка фон изображается условно: слегка заштриховывается или вообще остаётся белым. Форму же модели выделяют с помощью полутени и светотени. Часто этот вид используют, чтобы нарисовать портрет или фигуру человека, определённый предмет. При помощи штрихов и пятен можно добиться эффекта реалистичности.

Тональный – выполнение такого рисунка займёт больше всего времени. При этом он будет выглядеть самым достоверным, то есть позволит передать и материальность предметов, и их расположение в пространстве. Можно будет наглядно представить, какой из предметов занимает доминирующее место в натюрморте, а какой – второстепенное. Художник может расставить акценты и передать все оттенки тона объектов, которые рисует.
Тот, кто уже овладел мастерством, может в одной работе сочетать различные виды рисунков, но на стадии обучения такие эксперименты нежелательны.

По технике выполнения рисунки делятся на оригинальные и печатные. В первом случае художник выполняет от руки всю работу, она существует в единственном экземпляре. Во втором – рисунок выполняется на клише, и может быть размножен в любом количестве. По целевому назначению рисунки бывают:

• Академическими – выполненными профессионально.

• Учебными – когда осваиваются определённые этапы рисования.

• Творческими – в данных работах художник выражает свой внутренний мир.

• Набросками – они сделаны за короткое время с помощью линий. Могут дополняться элементами штриховки или тушёвки.

• Этюдами – когда на рисунке выделяются наиболее важные черты модели.

• Эскизами – основой для их выполнения являются наброски и этюды. На основании эскизов художник начинает работу над картиной.

Появление различных способов изображения обусловлено разницей между образом предмета, каким видит его художник, рисуя с натуры, и тем, каким он хранит его в памяти.

По восприятию – художник рисует с натуры и видит свою модель на протяжении всего творческого процесса. В ходе работы развивается способность осмыслять увиденное, вырабатывается наблюдательность.

Копирование – художник выполняет копию работы, сделанной мастером. Приём приносит большую пользу, позволяет быстро освоить различные техники рисования.

По представлению – художник рисует на основе своих представлений и впечатлений. Здесь многое зависит от памяти, от замысла – поэтому такие работы всегда отличаются индивидуальностью. Упражнения в этом виде позволяют развивать зрительную память и воображение.

Именно эти средства помогают придать работе достоверность, реалистичность, выразительность. Точки в рисунках выступают в качестве опоры. Достаточно прикоснуться карандашом, пером, ручкой или кистью к бумаге, как получается точка. Также она образуется  при пересечении линий. Основным выразительным средством в рисунке являются именно линии. Они бывают прямыми или кривыми (соединяются 3 опорные точки, 2 показывают длину линии, а ещё одна – высоту). Кроме того, различают линии вертикальные, горизонтальные и те, которые проводят по диагонали. Помимо простых, выделяют сложные линии – например, волнистые или в форме зигзага, спирали.

Важным приёмом в достижении выразительности рисунка является штриховка. С помощью коротких линий (штрихов) наносится тон, то есть, передаются светотеневые отношения. Ещё один приём – тушёвка. Тон наносится с помощью слитных штрихов. Выполняются они  боковой поверхностью графита. Их этих составляющих и складывается выразительный рисунок.

Mы приглашаем детей и взрослых на занятия по рисунку и живописи в Хайфе.

Программа обучения рисованию рассчитана как на желающих начать рисовать “с нуля”, так и на тех, кто хочет закрепить ранее приобретенные навыки.

На обучение рисованию принимаем всех желающих – детей, подростков, и взрослых. Пройдя наши художественные курсы живописи и рисования, вы очень быстро наберетесь мастерства для создания своих неповторимых авторских работ.

Хотите начать обучение?

Свяжитесь с нами!

Хайфа, ул. Тель-Авив 11, 2-й этаж
Записаться также можно по тел.: 054 344 9543
https://www.ghenadiesontu.com/workshops/

Читайте также:

• Рисунок. Основы учебного академического рисунка. Учебник, Николай Ли

• Голова человека. Анатомическое строение. Основные движения. Пропорции. Опорные конструктивные точки и применение их в рисовании

• Организация работы и подготовительные упражнения. Оборудование, материалы, инструменты и их использование

• Постановка руки и развитие координации на простых упражнениях

• Основные закономерности восприятия и построения формы предметов и применение их в рисовании

• Движение. Общее понятие о движении. Виды движения. Движение, проявление работы конструкции. Изображение движения в учебном рисовании

In Книги по рисованию, Художественная Школа, Академический рисунок Tags Виды рисунка, Линейно-конструктивный рисунок, Линейно-конструктивный с условной светотенью, штриховка, линии, светотеневой рисунок, Тональный рисунок, детский рисунок, кружки для детей в хайфе, матнасы в хайфе, кружок для детей в хайфе, академический рисунок, учебный академический рисунок, творческий рисунок, наброски, Этюд, Эскиз, тон, Отработка тона, линия, тушёвка, Копирование, Светотень в рисунке, школа рисования для детей, Рисование, кружок нетрадиционного рисования, основы академического рисунка, рисование геометрических тел карандашом, Постановка руки и развитие координации на простых упражнениях, линейно конструктивное построение гипсовой головы, уроки рисования для детей, Уроки рисования для детей, Рисунок. Основы учебного академического рисунка, учебные задачи при работе над рисунком, кружок нетрадиционные техники рисования, уроки рисования для детей 8-10 лет, техника рисования, конструктивное рисование, репетитор по живописи и рисунку израиль, репетитор рисунок, репетитор по академическому рисунку, Поступление в школу искусств Реут в Хайфе, Подготовка и поступление в Реут

Техника живописи Вермеера: Рисунок

Техника живописи Вермеера

• Обзор техники живописи Вермеера
• Подготовка опоры
• Изобретение (чертеж)
• Мертвая окраска
• Обработка и ретушь
• Остекление

---

• Палитра Вермеера
• Перспектива Вермеера
• Студия Вермеера

Понятие «изобретать» в семнадцатом веке соответствует первоначальному рисунку или наброску, выполненному непосредственно на холсте художника. Этот вид рисунка служил для фиксации наиболее существенных контуров предметов и ориентиром для последующих этапов работы. Использовались мел, уголь, темпера и масляные краски различных тонов. Поскольку предварительный рисунок неизбежно был покрыт последовательными слоями непрозрачной краски, он оставляет мало материальных свидетельств, и поэтому наши знания о процедуре рисования Вермеера в основном спекулятивны. Хотя Самуэль ван Хугстратен, художник и теоретик искусства того времени, подчеркивал, что этот первоначальный рисунок следует держать свободным, сомнительно, что Вермеер последовал его совету.

рис. 1 Аллегория Добродетели (фрагмент)
Корреджо
Холст, темпера, 149,5 х 85,5 см.
Галерея Дориа Памфили, Рим

Пример подрисовки, выполненной тонкой коричневой краской, можно наблюдать на детали слева от незаконченной картины Корреджо (рис. 1).

«В мастерской художника на загрунтованном холсте, вероятно, сначала делали бы подрисовку, во время которой более или менее точно намечалось намеченное изображение. Это можно было бы сделать черным мелом на светлом тонированном грунте, но белым мелом лучше работать на наиболее цветные (красные или серые) грунты. Подрисовку по цветному грунту чаще всего делали каким-либо светлым средством, таким как тонкая, почти чернильная свинцовая белила или тонкая суспензия мела в воде. Академическая традиция предписывала, что esquisse или ébauche следует наносить белым мелом, который можно стереть влажной тряпкой или губкой для облегчения исправления. Дополнительным преимуществом мела является то, что его показатели преломления настолько близки к показателям связующей среды, что при соприкосновении с маслом его уже не видно». ¹ Такой рисунок можно наблюдать на холст (рис. 2) в Вермеере Искусство живописи

ГЛЯДЯ ЧЕРЕЗ ПЛЕЧО ВЕРМЕЕРА

Полная книга о технике и материалах живописи 17-го века с особым акцентом на картину Иоганна Вермеера .

по Jonathan Janson | 2020

Взгляд через плечо Вермеера представляет собой всестороннее исследование материалов и техник живописи, которые сделали Вермеера одним из величайших мастеров европейского искусства.

Благодаря квалификации автора как профессионального художника и знатока Вермеера каждый аспект XVII века и практики живописи Вермеера, включая подготовку холста, набросок, подмалевок, лессировку, палитру, кисти, пигменты и композицию, изложен в ясной форме. , понятный язык. Также исследуется ряд ключевых вопросов, связанных конкретно со студийными методами Вермеера, таких как камера-обскура, организация студии, а также то, как он изображал настенные карты, напольные плитки, картины в картинках, ковры и другие его наиболее определяющие мотивы. . Каждая из 24 тем книги сопровождается обильными цветными иллюстрациями и диаграммами.

Наблюдая с близкого расстояния мастерскую Вермеера и его выдающихся современников, читатель получит конкретное представление о методах и материалах живописи 17-го века и по-новому взглянет на 35 произведений искусства Вермеера, которые раскрывают неразрывное единство ремесло и поэзия.

Несмотря на то, что книга не написана как практическое руководство, художники-реалисты найдут настоящий кладезь технической информации, которую можно адаптировать практически к любому стилю фигуративной живописи.

Просмотр плеча Vermeer’s
Автор : Джонатан Янсон
Дата : 2020 (Второе издание)
страницы : 294
Иллюстрации : 200-плюс иллюстрации и диаграммы
: 200-плюс. ePUB | AZW3
29,95 $

---

СОДЕРЖАНИЕ

1. Обучение Vermeer, техническое образование и амбиции
2. Обзор технической и стилистической эволюции Vermeer
3. Слава, оригинальность и тематика
4. Реальность или иллюзия: существовали ли интерьеры Вермеера?
5. Цвет
6. Состав
7. Мимеси и иллюзионизм
8. Перспектива
9. Камера-обскура Vision
10. Свет и моделирование
11. Студия
12. Четыре основных мотива в творчестве Вермеера

13. Драпировка
14. Покраска плоти
15. Холст
16. Заземление
17. «Изобретение» или чертеж
18. «Мертвая окраска» или подмалевок
19. «Обработка» или окончательная обработка
20. Остекление
21. Среды, связующие вещества и лаки
22. Нанесение краски и консистенция
23. Пигменты, краски и палитры
24. Кисти и кисти

Сохранилось очень мало следов первоначального рисунка Вермеера. В Женщина, держащая баланс , существует достаточно доказательств, чтобы полагать, что художник сначала «обдуманно применил тонкие линии. художники используют эскиз в качестве отправной точки, свободно изменяя формы в конечном изображении. Но всякий раз, когда можно было наблюдать линии, разработанные Вермеером, было ясно, что его окончательные слои краски очень близко соответствовали эскизу». ²

рис. 2 Искусство живописи (фрагмент)
Йоханнес Вермеер
в. 1662–1668
Холст, масло, 120 х 100 см.
Художественно-исторический музей, Вена

Когда-то считалось, что Вермеер раскрыл некоторые из своих рабочих методов рисования в Искусство живописи . На ровно тонированном холсте тонкими мазками белой краской или мелом нанесены контуры развевающегося костюма модели, а лавровый лист начал раскрашиваться различными оттенками синего.

Однако существует много несоответствий между реальными рабочими привычками, которые можно увидеть на изображениях мастерских художников семнадцатого века, и теми, которые проиллюстрированы в Искусство живописи . Микроскопическое исследование картины показывает, что рисунок Искусство живописи выполнен тонкими коричневыми линиями, контрастирующими со светлым рисунком картины на мольберте художника. «Тот факт, что Вермеер изобразил художника, начинающего с одного только лаврового венка, вероятно, следует рассматривать как меру иконографического значения венка, а не какое-либо буквальное свидетельство того, что, например, Вермеер рисовал фигуру сверху вниз». ³

Практически на каждом рендеринге мастерская художника рядом с работающим художником изображался шкаф, в котором хранились кисти, пигменты, растворители и масляные эссенции. Было бы трудно представить себе художника на картине Вермеера, вставающего и делающего несколько шагов только для того, чтобы почистить кисть или набрать побольше пигмента, — жесты, которые повторялись бы сотни раз по дуге процесса рисования. Костюм, который носил художник, остался в прошлом; ничего подобного нельзя найти на других картинах того же периода. Более того, судя по предварительному рисунку на холсте, труба, которую держит модель, не может уместиться в пределах холста перед ним. Хотя некоторые из указаний, данных Искусство живописи техники художника могут быть фактическими, другие должны были выполнять символические или декоративные функции.

Может показаться удивительным, что ни одного рисунка Вермеера не сохранилось, особенно если принять во внимание сложность его композиций и исключительную точность контура, масштаба и перспективы. Гораздо практичнее и экономичнее выполнять предварительные наброски на бумаге, которые можно легко исправить или переделать, чем отрабатывать рисунок прямо на холсте. Сохранилось несколько примеров подготовительных рисунков современников Вермеера, таких как Питер Сандредам, которые представляют сложные церковные интерьеры. Тот, который приписывается художнику из Делфта Ван Влиту, виден справа.

рис. 3 Изабелла д’Эсте (фрагмент)
Леонардо да Винчи
1500
Бумага, черный и красный мел, желтый пастель, 63 х 46 см.
Musée du Louvre, Paris

Затем подготовительный рисунок можно было перенести на холст несколькими способами. Одним из наиболее распространенных и эффективных способов было проколоть булавкой ряд отверстий по линиям рисунка. Затем рисунок накладывался на холст, и мелкий порошок древесного угля осторожно фильтровался через отверстия для булавок с помощью пушера. ⁴ Когда рисунок был снят с холста, отфильтрованная угольная пыль указала линии рисунков. Затем художник прошелся кистью и краской, чтобы зафиксировать линии более прочно. Эту процедуру хорошо видно на подготовительном рисунке Леонардо к портрету Изабеллы д’Эсте (рис. 3).

Используя эту простую технику, фресковый художник мог перенести большой рисунок на сырую штукатурку за несколько минут. Та же техника использовалась для передачи мельчайших деталей небольших размеров, а также рисунков, которые украшали знаменитое производство фарфора в Делфте.

Если бы Вермеер использовал технику прыжка, он, скорее всего, не сохранил бы карикатуры. Очень мало осталось от голландцев семнадцатого века. Однако возможно, что Вермеер смог передать окончательный образ своей композиции, даже не реализовав какой-либо подготовительный рисунок. Филип Стедман в своем исследовании использования Вермеером камеры-обскуры (своего рода предшественника современной фотокамеры, широко известной художникам во времена Вермеера) предполагает, что художник проследил изображение, проецируемое камерой-обскурой, прямо на холст. Камера-обскура сделала бы подготовительные рисунки излишними. Хотя некоторые ученые категорически не согласны с аргументами Стедмана, большинство признало, что они имеют рациональную основу и соответствуют живописным и выразительным целям Вермеера. (Подробную информацию по этому вопросу см. в статье Стедмана 9.0028 Камера Вермеера: раскрытие истины, стоящей за шедеврами , или посетите его веб-сайт по адресу: http://www.vermeerscamera.co.uk/home.htm.)

Хотя никаких подготовительных или окончательных рисунков Вермеера на бумаге не сохранилось, это не обязательно означает, что он не производил их в то или иное время. Рисунки, хотя и собранные в то время более утонченными знатоками, не имели такой ценности, как сегодня, и, учитывая, что подготовительные рисунки Вермеера могли быть выполнены в более схематичном, а не выразительном стиле, вполне разумно, что они не были считается большой ценностью. Отдельный «фолиант», подобный тем, что перечислены в описи смерти художника, мог содержать его драгоценные рисунки и мог быть утерян или уничтожен.

† СНОСКИ †

1. Ари Валлерт и Виллем де Риддер, «Материалы и методы живописи Свертса», в Майкл Свертс: 1618–1664 , Зволле, 2003, 40.
2. Мелани Гиффорд, «Живопись светом: недавние наблюдения за техникой рисования Вермеера», в Vermeer Studies , ред. Иван Гаскелл и Мишель Йонкер, Национальная художественная галерея Вашингтона, округ Колумбия, Нью-Хейвен и Лондон: издательство Йельского университета, 1998, 187.
3. Брайан Дж. Вольф, 9 лет0028 Вермеер и изобретение зрения , Чикаго: University of Chicago Press, 2001, 196.
4. Интересно, что эта техника прыжка до сих пор используется художниками-вывесками. Единственными современными улучшениями являются [1] колесо набрасывания и [2] электрическая машина набрасывания, которая пробивает отверстия с помощью электрической искры. К этим дорогим машинам следует относиться с осторожностью, поскольку, когда они заведены до максимума, необходимого для прокалывания нескольких слоев или толстой бумаги, они вызывают неприятный шок.

Техники растушевки карандашом Введение | RapidFireArt

Я всегда считал, что затенение — это самый быстрый способ добавить реализма и глубины моим рисункам, будь то портреты, концептуальные наброски или даже быстрые каракули.

В этом уроке я хочу поделиться с вами 4 простыми техниками затенения, которые помогут вам добиться реалистичных текстур и эффектов, которые улучшат ваши рисунки и выведут их на новый уровень.

Кстати, этот туториал также доступен на Youtube: https://www. youtube.com/watch?v=tGx4sypoPjY

Содержание:
4 метода затенения и способы их использования
комбинирование методов затенения
практика затенения

эти приемы могут показаться очень простыми, но в этом их прелесть. Давайте посмотрим, как их можно применить и как они могут преобразить рисунок 🙂

Штриховка

Это делается путем рисования линий, которые идут параллельно или бок о бок. Поскольку линии имеют равномерный рисунок, он очень хорошо подходит для затенения таких вещей, как текстура дерева, матовый металл и ногти, и это лишь некоторые из них. Острый карандаш отлично подходит для передачи металлических текстур, в то время как тупой карандаш поможет вам сделать более плавные штрихи, которые также будет легче растушевывать.

Будьте осторожны при использовании этой техники затенения на круглых объектах. Если штрихи недостаточно хорошо смешаны друг с другом, это может сделать круглый рисунок плоским. Вот пример:

Прямые линии уводят от рисунка, заставляя зрителя воспринимать объект как плоский , а не как трехмерный.

 

Перекрестная штриховка

Здесь вы рисуете линии, пересекающие друг друга. Они могут идти в любом направлении.

Отлично подходит для создания текстур, таких как определенные ткани (предсказуемые узоры) или даже тонких линий на коже (случайные узоры).

 

Циркулизм

Этот метод затенения состоит из множества перекрывающихся круглых форм. Я часто использую его для затенения реалистичной кожи. Он хорошо работает для передачи мягких или нечетких поверхностей. Чем больше вы перекрываете круги, тем более гладкой будет текстура.

Сложность заключается в том, чтобы контролировать давление карандаша, чтобы все круги были одинаковыми по значению.

Затенение контура

Здесь вы создаете линии, повторяющие форму объекта, который вы пытаетесь изобразить. Контурные линии могут идти в любом направлении.

Они отлично подходят для затенения вещей, на которых уже видны линии, идущие по поверхности, какими бы тонкими они ни были. Например, яблоки, лук и губы. В этом примере линии также удваиваются как морщины на губах.

 

Для каждого метода затенения более густо вы растушевываете, более плавно затенение проявится, и чем тверже вы нажмете на карандаш, тем темнее проявится затенение, что позволит вам достичь ощущения визуальной глубины.

Все эти техники затенения можно комбинировать везде, где вы считаете нужным. Я использовал все 4, чтобы заштриховать эту морщинистую руку. Комбинация этих техник помогла мне добиться различных текстур, обычно встречающихся на морщинистой коже.

Начав с контура руки, я применил циркуляризм в качестве базового слоя, чтобы придать ему постоянную текстуру по всему тексту — текстуру, напоминающую тонкие тонкие линии на коже.

Штриховка и контурирование использовались, чтобы показать натянутую кожу, которая обвивает/перекрывает форму руки.

Штриховка также очень хорошо подходит для затенения ногтей, как упоминалось ранее. Особенно ногти с заметными полосатыми узорами.

 

Перекрестная штриховка использовалась в минимальном количестве для создания реалистичных узоров морщин вокруг суставов пальцев, где кожа толстая. Я изменил свое давление, чтобы сделать некоторые линии темнее, чем другие, чтобы они выглядели более случайными и реалистичными.

 

Вам не обязательно придерживаться исключительно этих 4 техник затенения, потому что есть много других, которые вы можете использовать или просто придумать свои собственные, чтобы создать текстуру и внешний вид, которые вы хотите для своего рисунка. Вот несколько примеров:

Вот несколько забавных упражнений, которые вы можете выполнять для тренировки. Я прикрепил бесплатную распечатку внизу этой статьи для вашего использования.

Упражнение №1:

Нарисуйте ряд квадратов или прямоугольников и заштрихуйте их слева направо, используя выбранную вами технику штриховки. Помните, что чем сильнее вы нажимаете, тем темнее будет ваше затенение, и чем плотнее вы затеняете, тем ровнее оно будет.

 

Упражнение №2:

Нарисуйте множество обычных объектов и заштрихуйте их, используя методы затенения, которые лучше всего описывают текстуру.

Например, я хочу затенить игрушечную лошадку сверху, чтобы она выглядела деревянной. Техника штриховки похожа на текстуру дерева, особенно линии различаются в темноте:

Мешок из мешковины внизу сделан из толстого тканого материала. Для этого подойдет перекрестная штриховка, но я хочу, чтобы сумка выглядела более трехмерной, поэтому я использую комбинацию перекрестной штриховки и контура под названием 9. 0029 поперечное контурирование. В теневых областях я сильнее нажимаю на карандаш, создавая более темные линии.

 

Плюшевые мишки обычно мягкие и пушистые. Вы помните, какая из 4 техник растушевки создает мягкую и нечеткую текстуру?

Если вы догадались о циркульстве, вы правы!

Чем больше кругов я рисую, тем мягче становится текстура…

Чтобы сделать штриховку еще мягче, используйте тупой карандаш и/или растушуйте штриховку с помощью инструмента для растушевки, например, салфетки. Не стесняйтесь экспериментировать с другой техникой затенения, чтобы увидеть, как она меняет внешний вид вашего объекта!

 

Вы можете комбинировать методы затенения или придумывать свои собственные:

 

Вот несколько объектов, которые вы можете использовать для практики. Для каждого из них нарисуйте его и выберите один или несколько методов затенения, которые лучше всего описывают текстуру. Например, деревянная игрушка может быть смесью штриховки, контура и штрихов.