Так же, как цвет, тон и мастерство, композиция является одним из важнейших аспектов создания фантастического искусства. Этот пост в блоге предлагает 5 основных художественных примеров, которые помогут вам узнать, как научиться композиции. Я помогу вам понять различные техники, которые мастера композиции использовали в своем искусстве для создания шедевров. Во всех изображениях, на которые я ссылаюсь, используются разные методы композиции (при этом некоторые методы перекрываются между изображениями), но я в основном сосредоточусь на одном методе композиции для каждого произведения искусства.

Если вы новичок в моем блоге или на сайте иллюстраций, я регулярно делюсь советами, приемами и советами, которые помогут вам в вашем творчестве. Я также публикую посты в блогах, демонстрирующие мои недавние заказные и личные иллюстрации. Но в основном этот блог — место номер один, где можно узнать обо всем — от цвета, композиции до советов и приемов по иллюстрации.

Почему вы должны возиться с этим руководством по изучению композиции?

Композиция делает произведение искусства или ломает его. Если у вас отличная художественная композиция, это привлечет людей к вашей работе. Это удерживает их дольше и повышает вашу привлекательность как артиста.

Если вы улучшите свои композиции всего на 1% (ссылаясь на философию предельной выгоды Джеймса Клира, которую он называет «непрерывным улучшением»), это будет творить чудеса с вашим искусством и созданием изображений.

Кроме того, когда вы думаете о мастерах искусства, которых вы любите (прошлые или настоящие), я уверен, что вы любите именно этого исполнителя из-за его композиций (даже если вы этого не знали!). Великолепная композиция привлекает людей к вашей работе — она добавляет привлекательности, драматизма и общего мастерства.

Это важный элемент, который я постоянно пытаюсь улучшить. К счастью, я пишу подобные статьи в блогах о том, как научиться композиции, которые учат вас, но также учат и меня.

Так что не забывайте, насколько важна эта художественная тема! Итак, давайте перейдем к первому композиционному примеру.

Золотое сечение – «Купальщицы в Аньере». Жорж Сёра

Первая композиция – «Купальщицы в Аньере» Жоржа Сёра, 1884 г., холст, масло. Это одна из моих любимых картин за использование цвета, экспрессии и композиции.

Эта тонкая картина не выглядит неподвижной, статичной или застывшей, несмотря на то, что все построено на золотом сечении.

Если вы не знакомы с золотым сечением и понятия не имеете, о чем я говорю, я обсудил это здесь для вас.

Это не просто «удача», что эта картина находится на этих линиях золотого сечения — как Сёра написал «Мост Курбевуа», 1886–1887, масло на холсте, также на золотом сечении. Существует слишком много доказательств, подтверждающих эту точку зрения, поскольку он, скорее всего, использовал золотое сечение, чтобы усилить эффект картины — и не зря!

Я разместил на картине разноцветные линии и круги, чтобы вы могли видеть, о чем я говорю. Горизонт картины аккуратно проходит по верхней горизонтальной линии, а нижняя горизонтальная линия опирается на женские ноги, шляпу и купальщицу. Вертикальная линия опирается на сидящего мальчика и левый вертикальный берег.

На следующих изображениях показаны диагональные линии, выступающие из края, где находится золотое сечение, что рассказывает еще большую историю. Многие предметы, люди и аранжировки ориентированы на эти линии, удерживая зрителя внутри картины и усиливая общую композицию. Я разместил круги, чтобы показать вам, как картина соответствует этим линиям.

Самыми темными и контрастными областями ценности являются волосы мальчика, одежда и лежащий мужчина. Возможно, это то, что Сера хотел, чтобы мы сначала посмотрели на остальную часть изображения, состоящую в основном из светлых и нейтральных полутонов, а самыми темными областями была листва справа.

Основные выводы. Расположите композицию так, чтобы она помогала художественному оформлению. Расположите свое изображение по золотому сечению — по его вертикальным, горизонтальным и диагональным линиям.

Прямые углы в композициях – «У модисток» Эдгара Дега

Признаюсь, я выбрал эту картину Эдгара Дега под названием «У модисток» из великолепного сборника композиций «Сочинение ваших картин» Бернара Данстана. (на момент написания статьи книга в мягкой обложке стоила более 20 фунтов стерлингов, я не знаю, почему она такая дорогая! Я все же рекомендую ее, но, вероятно, не по такой цене!).

Теперь, когда признание исключено, эта картина имеет сильную композицию из-за использования прямых углов. Согласно Бернарду Данстану, прямые углы;

«…один из старейших и наиболее универсальных способов укрепления дизайна изображения, можно сказать, что он скрепляет его вместе». – Бернард Данстан.

Не могу не согласиться. Эта картина держит нас «запертыми» в изображении, и я чувствую, как люди, мы эволюционировали, чтобы искать такие вещи, как прямые углы. Мы находим их приятными для глаз, и идеально использовать несколько прямых углов в одном изображении.

Важно отметить, что прямые углы, использованные в картине Дега, очень тонкие. Если вы думаете об использовании прямых углов в своих композициях, создайте ощущение реализма в произведении, используя его тонко. Вы не должны точно соответствовать прямым углам. Если вы слишком сильно соответствуете прямым углам и делаете это слишком очевидным, это может сделать ваши изображения неподвижными, а это не то, что вам нужно!

Основные выводы: используйте прямые углы в своих композициях, чтобы добавить привлекательности общему изображению!

Контраст – тутовое дерево Ван Гога

Статья о композиции должна включать Ван Гога; мастер живописи и живописи. Известный своими потрясающими пейзажами и уникальным стилем, Ван Гог также был прекрасным композиционным тактиком.

Одна из техник, которую Ван Гог использовал в картине «Тутовое дерево», холст, масло, 1889 г., — это контробмен. Если вы не знакомы с этим термином, то здесь один силуэт — светлый против темного, а другой — темный против светлого (он также может иметь более одного силуэта). Джеймс Герни очень хорошо объясняет это в своем блоге. Вот краткий набросок картины, чтобы показать вам, что я имею в виду;

Взаимообмен прекрасно показан на этой картине. Вы можете увидеть грубый рисунок эффекта обратного изменения рядом с оригиналом Ван Гога, и я также отредактировал контраст оригинала Ван Гога (я сделал значения в этой черно-белой версии более заметными, чем в оригинале Ван Гога, чтобы показать вам композиционную идею этой картины).

Вы видите, что ствол дерева черный на белом, а листья над ним светлые на темном? Короче говоря, это контробмен. Взаимообмен наблюдается в природе, поэтому неудивительно, что он был использован в шедевре Ван Гога.

Но почему этот композиционный прием работает? Я считаю, что это потому, что это создает захватывающую картину и поддерживает интерес к различным формам и тонам. Приятное изображение, созданное с тонкими отражениями. Так что он был не только мастером живописи и рисунка, но и убивал своими композициями!

Основные выводы: поэкспериментируйте с созданием изображений, чтобы увидеть, какие композиционные эффекты вы можете создать!

Правило третей – Stage At Sharkey’s by George Bellows

В эту статью мне пришлось включить мистера Джорджа Беллоуза, одного из моих любимых художников всех времен. Не только потому, что он мой фаворит, но и за его фантастические композиции.

На этой картине «Олень у Шарки», 1909 год, холст, масло, мы можем видеть, что Джордж сильно опирался на движение, выражение, а также правило третей, чтобы построить картину. Если вы не знакомы с правилом третей, взгляните на мой пост в блоге, посвященный этой теме. Ощущение силы проникает сквозь картину, как молот, и придает глубину. Вы можете почувствовать силу удара боксера, когда другой боксер получает полный удар. При построении своих композиций постарайтесь сохранить ощущение движения внутри произведения. Вы видите, как Беллоуз сконструировал фигуру, чтобы передать ощущение движения? Позы преувеличены (рекомендуется при рисовании жестами), и эти вытянутые формы помогают дизайну.

Вы чувствуете напряжение в ногах, выгибание спины и сильные руки. Это создает энергичную картину, а ее драматические формы добавляют композиции привлекательности.

Другим элементом, который помогает композиции, является тональный контраст (я люблю контраст в своих работах, так как он создает драматические эффекты в моих иллюстрациях). Что касается черно-белой версии, яркие фигуры сидят на темном фоне, и только рефери, лица некоторых зрителей и боксерский ринг имеют одинаковое значение. Это втягивает вас в центр пьесы, где Беллоуз хочет, чтобы вы сосредоточились. Я также наложил правило третей поверх изображения, которое показывает, как цифры соответствуют этой системе. Обе спины боксера лежат на вертикальных линиях, а лицо рефери находится на одной линии с верхней горизонтальной линией. Горизонтальные линии каната боксерского ринга и колена также придерживаются этого.

Веревки боксерского ринга также помогают вести взгляд по картине — некоторые из них почти вертикально, а два других предлагают интересные ракурсы.

Основные выводы: подумайте о тональной ценности ваших композиций — осторожно используйте тона, чтобы привлечь внимание к наиболее важным элементам вашей работы. Если вы используете фигуры, подумайте о движении и жестах. Как вы можете внедрить это в свои работы, чтобы создать жизнь? Движение соответствует не только фигурам, посмотрите, сможете ли вы создать движение в повседневных предметах. Наконец, используйте правило третей для создания интересных композиций — это испытанная система, которая редко дает сбои!

Изогнутое движение — Союз Земли и Воды Питера Пауля Рубенса

Последний художник и композиция, о которых я хочу рассказать, — это, возможно, один из величайших художников всех времен, Питер Пауль Рубенс.

Глядя на «Союз Земли и Воды», холст, масло, 1618 год, в этой картине есть движение, живость и движение. Одна из конкретных композиционных техник, которые использует Рубенс, — это парящие круги, которые я выделил ниже. Видите ли вы круги, очерченные по всему фрагменту, которые притягивают взгляд к картине?

Ранее в этой статье мы обсуждали прямые углы, однако криволинейные движения создают впечатление трехмерного качества, вплетаясь в рамку изображения и выходя из нее. Взгляните на эту картину из лондонской Национальной галереи, которая еще раз иллюстрирует, как изогнутые движения были средством, которое он использовал снова и снова — и с хорошим эффектом.

Эта композиция заставляет нас сосредоточиться на центральной фигуре. Все (и все) смотрят на нее: 3 другие фигуры, один из детей и лев. На нее смотрят не только фигуры, конечности, предметы и формы тоже указывают на нее. Раковина, листва, драпировка и некоторые волны указывают на эту фигуру. Правая часть изображения почти черная по тону и выводит цифры на первый план.

Использование фигурок в композициях может привести к впечатляющим результатам. Людей привлекают фигуры на картинках. Когда мы видим на картине человеческую фигуру, смотрящую в одну сторону или движущуюся в одном направлении, наши глаза следуют за ней. Мы видим себя в этих фигурах, и именно поэтому включение фигур в ваше искусство может быть таким мощным. По словам Бернарда Данстана, пишущего в «Композиции ваших картин»;

«Опять же, фигура или что-то движущееся или способное двигаться, обращенное в одном направлении, естественным образом будет вести взгляд в этом направлении. Чем интенсивнее движение — например, такой жест, как яростно вытянутая рука, — тем сильнее наша реакция. Наша реакция на любой убедительный и сильный человеческий образ — бессознательно представить, что мы копируем действие». – Бернард Данстан.

От криволинейного движения, использования фигур до искусного расположения форм, эта картина Рубенса является прекрасным композиционным примером. Это отличная картина, чтобы закончить эту статью!

Основные выводы: используйте кривые в своем искусстве, чтобы сделать его более привлекательным. Это может придать вашему рисунку ощущение «движения» и привлечь внимание к произведению.

Как научиться композиции: чему вы научились?

Лично я многое узнал о том, как эти мастера использовали фантастические композиции. Я обнаружил, насколько умными были эти художники, чтобы влиять на нас своими работами. Направляйте в одну сторону, изгибая в другую. Они делают это так просто! Вот краткий обзор наших ключевых выводов;

• Золотое сечение — разместите аранжировки вдоль этих вертикальных и горизонтальных линий
• Правило третей — подобно золотому сечению, размещайте элементы на этих линиях
• Прямые углы — используйте углы 90 градусов, чтобы сделать вашу работу привлекательной
• Изогнутые движения – как передать ощущение движения в своем произведении?
• Countercontrast – черный на белом и белый на черном

Как и в любой картине, произведение состоит не только из композиции. Речь идет о движении, стиле, умении раскрашивать — какая композиция играет важную роль.

Мне будет приятно узнать, как эта запись в блоге о том, как изучить руководство по композиции, помогла вам. Есть ли какие-нибудь композиционные мастера, которых вы любите, которых я здесь не упомянул? Есть ли что-то, что я пропустил в этой статье? Напишите мне комментарий ниже, я буду рад услышать от вас!

Если вам понравилась эта запись в блоге, поделитесь ею с друзьями в социальных сетях! Свяжитесь со мной по ссылкам ниже, взгляните на мое портфолио иллюстраций или ознакомьтесь с другими моими сообщениями в блоге!

Приветствую вас, ребята, и до встречи в следующем посте!

Большое спасибо, что выслушали меня и посетили сегодня мою страницу новостей. Вы можете следить за тем, что я делаю, на моих страницах в Twitter, Facebook или Instagram, я буду очень признателен, если вы это сделаете, и не бойтесь сказать мне привет! Еще раз большое спасибо и хорошего дня!

Что делает композицию хорошей?

Можно ли научиться композиции?

И если да, то как?

В следующих нескольких сообщениях я попытаюсь ответить на эти вопросы. Мне кажется, что неплохо было бы начать с того, чтобы попытаться прийти к некоторым выводам о том, что составляет хорошую композицию, попытаться угадать некоторые основные принципы композиции, которые можно изучить и применять на практике.

Уже давно тема композиции не дает мне покоя в моих мыслях об обучении рисованию и раскрашиванию, как собака, терзающая кость. Я уже давно знал, что в какой-то момент мне придется уделить этому внимание.

До сих пор мои основные заботы были в основном техническими и касались убедительного перевода визуального восприятия в двух измерениях: тренировка зрения, оценка формы, перевод ценности и тому подобное. Мой подход к композиции был запутанным и неполным, я подбирал кусочки тут и там и в значительной степени произвольное применение этих кусочков без каких-либо руководящих принципов.

Возможно, это не так уж и удивительно, да и не редкость. В комментариях к последнему посту о трех портретах Розмари спросила меня, пыталась ли я развивать композиционные и дизайнерские навыки наряду с точностью, или на самом деле я вообще не пыталась развивать свои композиционные навыки. На самом деле ответ, вероятно, последний, несмотря на некоторые бессистемные и неорганизованные композиционные эксперименты.

Сейчас я достиг точки, когда я чувствую необходимость уделять больше времени развитию своих композиционных навыков. В следующих нескольких постах я попытаюсь прийти к некоторым выводам о том, что делает композицию хорошей, и попытаюсь найти подход к обучению тому, как создавать лучшие композиции.

Когда я сосредотачиваюсь на развитии определенного навыка, я обнаруживаю, что самое сложное — это найти с чего начать и как придать импульс в самом начале. После этого все может развиваться своим чередом и, скорее всего, само о себе позаботится, с некоторой постоянной оценкой и корректировкой.

Давайте работать вместе над этим

Одна из замечательных особенностей написания для этого сайта заключается в том, что он дает мне пространство, в котором я могу думать вслух, исследовать идеи и, возможно, самое главное, получать отзывы от других людей, делиться идеи и подходы.

Я знаю, что я не единственный, кто не знает, с чего начать изучение композиции. Так что мне бы очень хотелось, чтобы это было совместным усилием, потому что таким образом идеи, которые мы исследуем вместе, могут быть наиболее полезными как для нас самих, так и для других читателей, которые случайно встречаются, а это, собственно, то, о чем этот сайт. Мне интересно услышать мнения всех и каждого по этому поводу. Конечно, я очень рад просто рассказать о себе, я определенно сделал достаточно этого здесь за последние несколько лет! Но если вы чувствуете, что можете внести свой вклад, пожалуйста, не стесняйтесь. Я хочу, чтобы это было место, где посетители могут чувствовать себя в состоянии присоединиться к разговору без осуждения. Все вклады действительны, особенно по такой сложной теме.

Сегодня я начну с того, что попытаюсь собрать воедино некоторые разрозненные мысли о композиции, показав несколько примеров того, что я считаю хорошей композицией. Пожалуйста, не стесняйтесь ссылаться на свои собственные в комментариях, и я постараюсь найти их примеры и опубликовать их здесь или в следующем посте. Пришлите их мне по электронной почте, если не хотите оставлять комментарии. Достаточно имени исполнителя и названия. Пожалуйста, не стесняйтесь также добавлять любые мысли, которые могут у вас возникнуть о композиции в целом, либо в комментариях, либо по электронной почте.

Конечно, примеры, которые я публикую ниже, полностью личные. Я попытался немного подумать о том, что заставляет их работать и что может быть у них общего.

Veronese: Happy Union

Всякий раз, когда я думаю о композиции, это первая картина, которая приходит мне в голову.

Он называется « Happy Union » и написан Пауло Веронезе, венецианским художником 16-го века и одним из моих любимых художников, в основном за его чувство дизайна. Я провел много часов, сидя перед этой картиной в Национальной галерее в Лондоне, следя за ритмами ее повторяющихся форм и пытаясь угадать, что же такого в этой картине, что делает ее такой удачной композицией.

Это одна из четырех картин, и она предназначена для того, чтобы ее можно было увидеть на фоне другой картины таких же пропорций, но я думаю, что она стоит сама по себе и для меня самая красивая из четырех.

Что-то в дизайне целого, этот широкий изгиб сверху слева в правый нижний угол, а также переплетающиеся и повторяющиеся формы, каскадом спускающиеся вниз по основному механизму, создают ощущение нежной гармонии, полностью соответствующее теме изображение. Фигуры Веронезе известны своей бледностью и невыразительностью, и это, безусловно, правда на этой картине. Тем не менее, что-то в дизайне этой картины вызывает во мне отклик, может быть, что-то не поддающееся определению, находящееся на грани нормального сознания. Является ли это частью того, что делает хорошую композицию? Что это вызывает в нас чувство, знаем мы почему или нет?

Хотя отслеживание всех повторений и перетеканий контуров через фигуры и поперек — это увлекательная игра, но это не обязательно, чтобы поразиться красоте дизайна. Я думаю, что так же, как мы можем быть тронуты музыкой, не понимая теории гармонии, на нас может влиять красивый дизайн, не понимая почему.

Я уверен, что цвет тоже имеет к этому отношение. Серое небо на этой картине и сопутствующих ей фрагментах было нарисовано смальтой — пигментом, который со временем тускнеет. Первоначально небо было бы гораздо более голубым. Несмотря на это, в цветах все еще есть гармония и баланс. Ни один оттенок не доминирует, и все они кажутся одинаковой интенсивности. Я не говорю, что это обязательно принцип хорошего дизайна, но, похоже, здесь он хорошо работает.

Китайская живопись кистью

Традиционная китайская живопись кистью также сразу приходит мне на ум, когда я думаю о композиции. Этот пример совсем недавно, « Слива, бамбук и камень » Сюй Бэйхуна, художника, более известного своими потрясающими рисунками лошадей.

Конечно, это искусство совсем другой культуры, с другими традициями и философией, но все же с красотой дизайна, возможно, не совсем не связанной с веронезе. Если большая часть красоты двухмерного дизайна заключается в разделении пространства, то для меня мало что может сравниться с этим видом живописи. Он обладает органической красотой, основанной не на какой-либо геометрической основе, а на естественном ощущении пространства и баланса, которые можно ощутить без какого-либо детального понимания традиции, из которой он возник.

Цвет здесь очень сдержанный, но опять же очень сбалансированный. Цвета листьев и камней лишь немного выше по насыщенности, чем фон, этого достаточно, чтобы выделить их. Я думаю, что эта картина гораздо больше полагается на ценность, чем на цвет, и на использование отрицательного пространства.

Сюй Бэйхун — особенно интересный художник, потому что он рисовал через культурную революцию в Китае и в конечном итоге разработал синтез западного и восточного искусства, включив уровень оптического реализма из западной традиции и понимание западной перспективы.

Думаю, одной из определяющих характеристик нашего времени является доступность информации. Как обучающиеся художники мы имеем мгновенный доступ к визуальной истории традиций всех великих культур мира. Это ставит нас в уникальное положение и должно привести к взаимному обогащению и, возможно, к тому, что можно рассматривать как размывание региональных и даже национальных особенностей. Но я думаю, что это то, что нужно праздновать и принимать.

Это может привести к созданию новых форм — на ум приходит влияние японской гравюры на импрессионистов и постимпрессионистов — а также, возможно, может дать нам возможность найти то, что общего между культурами и эпохами в дизайне. Смешение культур и влияний не должно приводить к уничтожению какой-либо из них, как, я думаю, показывают более поздние работы Сюй Бэйхуна. Как сказал Ганди: «Я хочу, чтобы культуры всех стран доносились до моего дома как можно свободнее. Но я отказываюсь быть сбитым с ног кем бы то ни было».

Встреча Востока и Запада

Даже в менее традиционных работах Сюй Бэйхуна все еще присутствует его чувство дизайна, и его традиции все еще очевидны в этом экономичном и выразительном портрете Ганди. Хотя голова представлена ​​в более западном стиле, двухмерный дизайн, смещенное от центра расположение фигуры, краткие контуры, описывающие тело, и использование отрицательного пространства во многом восходят к восточной традиции. Паучьи, колеблющиеся линии, кажется, точно отражают старость и слабость.

Обе традиции также очевидны в этом прекрасном гималайском пейзаже одного и того же художника:

Рисунки тушью Рембрандта

Чем больше я смотрю на искусство разных культур и эпох, тем больше я думаю, что чувство дизайн, узор и гармония, безусловно, должны быть общими для всех людей, независимо от того, из какой культуры или времени они происходят.

Этот пейзаж, нарисованный Рембрандтом, я думаю, имеет много общего с китайской живописью кистью. Инструменты другие, культура другая, и иллюзорная глубина резкости очень отличается от китайской живописи. Но у него такая же устойчивая краткость, такое же органическое чувство дизайна, такое же сбалансированное разделение двухмерной поверхности и такое же использование негативного пространства.

Иллюстрация

Я думаю, что некоторые из самых красивых и привлекательных композиций были созданы иллюстраторами. Вот пример Артура Рэкхема, британского иллюстратора, о котором вы можете прочитать немного больше в короткой записи в блоге Чарли Паркера о Рэкхеме.

Я думаю, это отличный пример силы линий и прекрасно сбалансированного разделения пространства. Я вижу влияние восточного искусства во многих работах Рэкхема, но понятия не имею, находился ли он под его прямым и осознанным влиянием.

Это также хороший пример того, что, как мне кажется, иллюстраторы называют виньеткой, что прекрасно подводит меня к следующему примеру от Дина Корнуэлла.

Хотя я не нахожу большинство работ Корнуэлла или приведенный выше пример красивыми в традиционном смысле этого слова, под этим я подразумеваю, что я не нахожу их выразительными и что они не трогают меня эмоционально , я думаю, его композиции красиво и чрезвычайно искусно аранжированы. Его чувство дизайна и разделение двухмерной плоскости бумаги прекрасно обработаны. У Арманда Кабреры есть хороший пост с другими виньетками Корнуэлла в его блоге Art and Influence, а также этот пост, часть вторая и третья, все о виньетках от Джеймса Герни. Мне кажется, или виньетки иллюстраторов глубоко обязаны своей концепцией восточному искусству?

Вермеер: женщина, держащая весы

В качестве последнего примера я публикую картину Вермеера. Не понимаю, как можно написать пост на эту тему и не упомянуть о его прекрасно сбалансированных, спокойных композициях. Я мог бы выбрать почти любой из них, но этот кажется особенно подходящим для завершения, учитывая тему. Чувство умиротворения и спокойствия в картинах Вермеера должно частично исходить от повторения этих прямых вертикалей и горизонталей, а также от спокойной и тонкой обработки света. Но с точки зрения разделения двухмерного пространства они также прекрасно сбалансированы, я думаю, в том, как обрабатываются положительное и отрицательное пространство.

Я пока оставлю этот пост здесь, как из-за нехватки времени, так и из-за всего остального. Возможно, это указывает на то, как сложно мне подходить к предмету композиции, что я уже несколько раз переписывал этот пост за последние пару недель. Если я не опубликую это сейчас, то, вероятно, никогда не опубликую.

Но давайте рассмотрим это как отправную точку и посмотрим, чем мы закончим. Далее я планирую написать о некоторых подходах к композиции, которые я использовал раньше, и о том, почему они не сработали. Также я немного расскажу о том, как писать об обучении композиции, с которыми я столкнулся, и почему я думаю, что это бесполезно для нас, начинающих художников, или, по крайней мере, неполно.

После этого я перейду к паре найденных мною ресурсов, книгам, которые, по моему мнению, могут оказаться полезными, и предложу возможное направление для практики и развития. Но эти сообщения можно легко переместить дальше по строке. Я очень рад, что эта серия постов основана на вашем вкладе и развивается естественно и органично, как традиционная китайская живопись.

Так что

Ну, я прекрасно понимаю, что не дал окончательного ответа на вопрос, поставленный в заголовке этого поста.