Все о народных музыкальных инструментах

Если вы думаете,что народные инструменты давно покрылись пылью, что на них играют лишь студенты музыкальных училищ да пожилые музыканты, то вы глубоко заблуждаетесь!Народные инструменты – это не дремучее прошлое, они популярны по сей день. Их активно используют не только народные коллективы, но и исполнители музыки различных стилей и жанров. От классики до рока и джаза все чаще можно услышать звучание гармони, балалайки, домры.

 

Немного истории

Любой народный музыкальный инструмент – это часть истории этноса. Они способны раскрыть специфику нравов и обычаев, поведать многое о культуре своего народа. Например, русские народные инструменты обнаруживают богатство русской души, ее яркий творческий нрав. Подтверждение тому – мелодичный характер русской музыки, ее многоголосие.

В общую музыкальную культуру славянских народов вошли такие инструменты как: древнерусские гусли, продольные флейты, свирели, бубны, трещотки, деревянные коробочки, рубели, колотушки, ложки, сопель, дудки, глиняные свистульки, жалейки, волынки, пищалки, погремушки, жужжалки, фурчалки, ревуны, балалайки, домбры.

 

На фото – народные инструменты славян

Не будем заглядывать так далеко в прошлое. Еще наш

и дедушки играли на таких народных и всеми любимыми музыкальных инструментах, как гармонь и балалайка. Некоторые инструменты (гусли и другие) после усовершенствования легли в основу современных оркестров народных инструментов.

Многие профессиональные музыкальные инструменты истоками уходят в так называемые «народные прототипы». Так, например, скрипка в далеком прошлом была народным музыкальным инструментом. От простейшей народной флейты произошла современная флейта, а отшалмея, хорошо известного специалистам по истории славянской культуры, – гобой.

В современной музыке народные инструменты чаще всего используют фолк-исполнители. Например,фолк-рокгруппа Мельница (кельтская арфа, мандолина, перкуссия) или русско-американская рок-группа RedElvises, работающая в стилях серф, фанк, рокабилли фолк-music (бас-балалайка). Легендарная рок-группа Калинов мост использует в своем творчестве баян, советская и российская рок-группа Ноль – баян, балалайку. Список исполнителей и инструментов можно продолжать. Давайте рассмотрим наиболее популярные музыкальные инструменты, используемые в современном творчестве.

 

Популярные народные музыкальные инструменты

Балалайка

Балалайка – это музыкальный символ русского народа. Это русский народный струнный щипковый музыкальный инструмент с треугольным, слегка изогнутым деревянным корпусом. Длина инструмента варьируется от 600–700 мм (балалайка прима) до 1,7 метров (балалайка субконтрабас).Корпус склеен из отдельных сегментов (6–7), головка длинного грифа слегка отогнута назад. У инструмента три струны, а на грифе современной балалайки расположены 16–31 металлических ладов.

Звук балалайки звонкий, но мягкий. Балалайка дол

жна иметь три струны и так называемый «балалаечный» строй. Никакие другие строи балалайки: гитарный, минорный и другие – для игры по нотам не используются.

Как выбрать «правильную» балалайку?

Учиться играть нужно на хорошем инструменте. Только он может дать сильный, красивый, певучий звук, а от качества звука и от умения им пользоваться зависит художественная выразительность исполнения.

Хороший инструмент легко определить по его внешнему виду: он должен быть красивым по форме, собран из качественных материалов, хорошо отполирован.

Идеальная балалайка должна отвечать следующим требованиям:

• Гриф балалайки должен быть совершенно прямым, без искривлений и трещин. Не очень толст и удобен для обхвата, но и не слишком тонок, так как в этом случае под влиянием внешних причин (от натяжения струн, сырости, изменений температуры) он может со временем покоробиться. Лучший материал для грифа –это черное дерево.
• Лады должны быть хорошо отшлифованы как сверху, так и по краям грифа и не мешать движениям пальцев левой руки.
• Все лады должны быть одной высоты или лежать в одной плоскости, то есть так, чтобы положенная на них ребром линейка касалась их всех без исключения. Лучший материал для ладов – белый металл и никелин.

• Колки для струн должны быть механические. Они хорошо держат строй и допускают очень легкую и точную настройку инструмента.
• Дека, построенная из хорошей резонансной ели с правильными, параллельными мелкими слоями, должна быть плоской, а не вогнутой внутрь.
• При наличии навесного панциря следует обратить внимание на то, чтобы он был действительно навесным и не касался деки. Панцирь необходим фанерованный, из твердого дерева (чтобы не покоробился). Он предохраняет нежную деку от ударов и разрушения.
• Верхний и нижний порожки должны быть сделаны из твердой породы дерева или из кости.

• Подставка для струн в правильном инструменте выполнена из клена и всей своей нижней плоскостью плотно соприкасается с декой, без просветов.
• Кнопки для струн (около нижнего порожка) выполнены из очень твердой породы дерева или кости и прочно сидят в своих гнездах.
• От подбора струн зависит чистота строя и тембра инструмента. Слишком тонкие струны дают слабый, дребезжащий звук; слишком толстые затрудняют игру и лишают инструмент певучести или рвутся.

Балалайка не так популярна среди исполнителей, но есть  виртуоз и очень популярный исполнитель  — Алексей Архиповский

Сегодня балалайку можно услышать не только в составе профессиональных оркестров. Пусть инструмент не так популярен, но среди исполнителей встречаются настоящие виртуозы. Один из них – Алексей Архиповский. Выдающийся музыкант исполнял композиции на открытии Олимпийских игр в Русском доме в Ванкувере, конкурса Евровидение и Первого Кинофестиваля имени Андрея Тарковского.

Балалаечник широко известен и в интернет-пространстве. Билеты на концерты распродаются в считанные дни, что делает его одним из самых знаменитых исполнителей народной музыки на сегодняшний день.

Гусли

Гусли – древнейший струнный щипковый музыкальный инструмент. В России с ним путают несколько разновидностей лежачих арф. Сегодня каждый оркестр народных инструментов имеет в своем составе гусли щипковые–столовидные и гусли клавишные. Звучание этих инструментов придает оркестру неповторимый колорит древних гусельных звонов.

В настоящее время интерес к гуслям заметно вырос. Появились современные гусляры-сказители, задавшиеся целью воссоздания древней традиции игры на гуслях и пения под их аккомпанемент. Наряду с щипковыми гуслями, основной прием игры на которых – щипок и бряцание, появились и гусли клавишные. Механика, установленная на них, при нажатии на клавиши открывает струны, и дает возможность выбрать нужный аккорд.

Это заметно упрощает игру на гуслях

Домра

Домра – старинный русский струнный щипковый музыкальный инструмент с тремя, а иногда и четырьмя струнами.Играют на ней, как правило, с помощью медиатора. Домра является прообразом русской балалайки и до сих пор существует у калмыков, татар и киргизов.

Домра состоит из грифа с колками в верхней части и из деревянного корпуса со щитом в нижней. Также внизу крепятся струны и протягиваются до колков.

Виды домр: пикколо, малая, меццо-сопрановая, альтовая, теноровая, басовая и контрабасовая. В оркестре русских народных инструментов получили распространение пикколо, малые, альтовые и басовые домры.

Историческая судьба домры почти трагична. Этот инструмент был забыт и воссоздан в наше время. Сегодня домра – это молодой перспективный инструмент с огромным, прежде всего, музыкально-выразительным потенциалом, имеющий истинно русские корни, поднявшийся до высот академического жанра.

Как выбрать «правильную» домру

Выбирая для себя домру, следует обратить внимание на следующее:

• звук инструмента, а именно нравится вам звучание или нет;
• тембр звучания по всему грифу должен быть ровным, без посторонних звуков, чтобы ничего не подтрескивало, не подзванивало, проверить нужно на каждом ладу;
• смотрим, не повело ли гриф в сторону не повело ли гриф в сторону;
• нужно слушать долготу звука, если есть выбор, то по долготе можно определить лучший инструмент;
• важен фактор «полётности» звука (желательно проверить в большом помещении), сила звучания, звонкость, от него зависит, будет ли слышен инструмент в зале, так как в маленьком помещении ощущения могут быть другими;
• инструмент должен быть удобным для рук, нужно обязательно поиграть, чем больше, тем лучше.

 

 

Банджо

Банджо – струнный щипковый музыкальный инструмент с корпусом в виде бубна и длинной деревянной шейкой с грифом, на котором натянуто от четырех до девяти жильных струн. Род гитары с резонатором (расширенная часть инструмента покрыта кожей, как барабан). В современной Америке словом «банджо» обозначается либо его теноровая разновидность с настроенными по квинтам четырьмя струнами, нижняя из которых – до малой октавы, либо пятиструнный инструмент с иной настройкой. Игра на банджо осуществляется с помощью плектра.

Банджо –родственник общеизвестной европейской мандолины, похож на неё формой. Нобанджо имеет звук более звенящий и резкий. В некоторых странах Африки банджо считается священным инструментом, прикасаться к которому могут только высшие жрецы или правители.

Современное банджо бывает разных видов, включая пяти- и шестиструнные. Шестиструнный вариант, настраиваемый как гитара, тоже стал весьма популярным. Почти на всех видах банджо играют характерным тремоло или арпеджируют правой рукой, хотя существуют различные стили игры.

Сегодня банджо обычно ассоциируется с музыкой в стилях кантри и блюграсс. В последнее время банджо стали использовать в самых разных музыкальных жанрах, включая поп-музыку и кельтский панк. Ещё более недавно интерес к банджо стали проявлять музыканты, играющие хардкор.

Укулеле

Укулеле – это миниатюрная четырёхструнная гавайская гитара. В переводе с гавайского «укулеле» – прыгающая блоха. Укулеле распространено на различных тихоокеанских островах, но ассоциируется прежде всего с гавайской музыкой.

 

Если вы только начинаете осваивать этот инструмент, то лучше начинать с сопрано или с концертной. Если у вас большая рука, то вам подойдет концертная укулеле. Она чуть больше сопрано, с большим количеством ладов. На ней удобнее брать аккорды.

Как выбрать укулеле

При выборе инструмента в музыкальном магазине обратите внимание на следующие моменты:

• Инструмент вам должен просто понравиться.

• Посмотрите внимательно, нет ли на нем трещин.

• Попросите продавца настроить инструмент. Если инструмент настраивается впервые, то вам придется повторять процесс настройки несколько раз, так как струны еще не растянуты и несколько дней они будут выходить из строя. Следует слегка потянуть за струну перед ее настройкой. Настраивать струну нужно от низкого тона к высокому.

• Следует проверить все лады на всех струнах, чтобы они строили и не «звенели».

• Струны должны легко нажиматься (особенно на первом и втором ладах). Расстояние между струнами и грифом не должно быть большим.

• Внутри ничего не должно дребезжать, когда вы играете. Все струны должны быть одинаковыми по громкости и ясности.

• Проверьте, ровный ли гриф.

• Если инструмент идет со встроенным звукоснимателем («pickup»), попросите подключиться к гитарному усилителю и проверьте, что все работает. Убедитесь, что батарейка в звукоснимателе новая.

• Обязательно рассмотрите несколько инструментов, прежде чем сделать выбор. Иногда дешевый инструмент какой-нибудь неизвестной фирмы вас сможет удивить. 

• 
  

Народные инструменты сегодня

В настоящее время в моде другие, более современные музыкальные инструменты, с электронной начинкой и множеством функций. Но хочется верить, что интерес к народным инструментам не угаснет со временем. Ведь их звучание самобытно и неповторимо.

В магазинах POP-MUSICпредставлены различные народные инструменты: балалайки, банджо, домры, мандолины, укулеле и другие. Опытные консультанты помогут вам сориентироваться и предоставят возможность реализовывать идеи.

 

Как пифагорова струна оказалась не ладна. Откуда взялась первая теория музыкального строя, как с ней боролись в эпоху Возрождения и почему нам так не нравятся диссонансы

© Skumer, Undrey, blackboard1965 / Shutterstock. Коллаж: А. Лапушко

Один из самых долгих и упорных споров в мире — спор о том, как настраивать музыкальные инструменты. Дискуссия о настройке началась в Древней Греции, пережила Римскую империю, достигла пика в Ренессансе и закончилась только в XIX веке.

Что такое музыка, настройка, темперация и зачем настраивать инструменты

Музыка состоит из звуков, а звук — это колебания среды, которая контактирует с нашей барабанной перепонкой (как правило, это воздух). Колебания эти могут быть гармоническими и негармоническими: звуки музыки относится к первым. Это значит, что если мы представим эти колебания в виде графика, то увидим аккуратную, красивую синусоиду. Негармонические колебания, то есть шум, выглядят как хаотическое нагромождение точек вдоль оси времени.

Описание

Eastern Illinois University

Для того чтобы какие-то колебания создать, нужно что-то поколебать. Исторически сложилось так, что люди использовали для этого струны и играли музыку на древних предках современной арфы, например на кифарах и лирах. Для того чтобы извлекать звуки разной высоты, нужны струны разной длины или натяжения — тут-то и возникает вопрос о том, как именно нужно натягивать струны. Иначе говоря, как настраивать инструмент.

Как с этой задачей справлялись самые древние музыканты, мы не знаем. Наверное, обходились чутьем, слухом и опытом. Первый дошедший до нас строгий способ настройки придумал человек, более известный как автор теоремы и штанов своего имени — Пифагор. Неизвестно, как это произошло на самом деле, но исторический анекдот про Пифагора и кузницу до нас дошел.

Согласно этому анекдоту, однажды Пифагор прогуливался по городу и, проходя мимо кузницы, услышал звон кузнечных молотов. Интервал между звуками, которые издавали два молота разного веса, показался ученому мелодичным, и Пифагор, наведя справки у кузнецов, узнал, что вес молотов, которые вместе звучали красиво, относился один к другому как целые числа — 2 к 1, 3 к 2, 5 к 4 и так далее. Пифагор стал экспериментировать со струнами и обнаружил, что высоты звуков, которые издают струны, точно так же соотносятся с длиной, как вес молотов с высотой звука от удара. Струна, что короче другой вдвое, звучит вдвое выше. А если взять две струны, длины которых относятся друг к другу, например, как 3 к 2, то и высота извлекаемого из них звука будет соотноситься как 3 к 2.

Пифагор выяснил, что самые приятные созвучия получаются, когда высота нот образует между собой пропорции целых чисел, и предложил настраивать инструменты, используя именно такие интервалы между нотами. Этот строй стал называться, конечно, пифагорейским.

Пифагорейский строй таил в себе изъян, который станет понятным, если мы представим себе настройку по способу древнего грека.

Предположим, что мы взяли струну произвольной длины и она играет ноту «до». Теперь мы берем еще одну струну и вспоминаем пифагорово открытие — она будет покороче, ее длина относится к длине первой как 2 к 3. Это будет нота «соль» — интервал между ними называется квинтой и считается одним из самых красивых созвучий. Потом можно взять струну, которая относится к «до» как 3 к 4. Это будет нота «фа», а интервал будет квартой. После этого можно настроить ноту «ре», взяв кварту от «соль» — струна для «ре» будет соотноситься со струной для «соль» как 4 к 3.

После этого можно взять «ля», отложив квинту от «ре» и взяв струну, которая короче струны для «ре» на треть. Или нет? Можно ведь взять «ля», использовав как эталон струну от «фа» и использовав соотношение 5 к 4. Если мы попробуем и так и эдак, то увидим, что «ля» получилась разная.

Это обнаружили и в древности, а этот зазор между разными «ля» назвали коммой. Если настроить инструмент так, что в нем будут коммы, то при игре неминуемо будут проскальзывать неприятные на слух созвучия.

Пифагора, впрочем, больше смутило другое: если построить на одном инструменте ряд нот, откладывая октавы, то есть струны с соотношением 2:1, а на другом — квинты (3:2), то эти два инструмента не будут звучать в унисон. Конечно, если семь раз взять квинту от самой первой «до», то получится, казалось бы, снова «до». Но это будет не та нота, которая должна была бы получиться, если бы мы взяли взяли четыре октавы от той же самой первой «до». Пифагор обнаружил, что сколько бы он ни шел дальше, звуки не совпадали, причем чем выше, тем расхождение было сильнее.

Описание

Окладывая по квинте от первой «до», можно получить остальные ноты, но они будут отличаться по звучанию от тех, которые можно получить, откладывая по октаве. А. Лапушко

Пифагор пришел в ужас. Как для настоящего древнего грека, для него тем, на чем покоится все мироздание, были гармония, порядок и соразмерность. Любой отрезок можно было измерить отрезками поменьше, из всего можно было вывести систему, рассчитать и объяснить. Но октава не поддавалась. При делении пропорций октавы и квинты, таких прекрасных и чистых по отдельности, получались бесконечные дроби, которые казались Пифагору безумными. Ахилл на самом деле не догонял черепаху.

Пифагорейский строй хорошо подходил для той музыки, которую играли в античную эпоху. Проблемы начались позже, в Средневековье, когда появились новые инструменты и музыкальные формы. Как оказалось, пифагорейский строй не годился для совместной игры нескольких инструментов, исполнения полифонии и сложных произведений, написанных в нескольких тональностях. К тому же с пифагорейским строем очень сложно перевести произведение из одной тональности в другую: нельзя просто взять и сыграть то же самое произведение на тон выше — придется перенастраивать инструмент, потому что в противном случае он будет издавать какофонию.

Настройщики, композиторы и ученые ломали голову над тем, как избавиться от родовых болячек античной теории. В попытках как-то убрать комму ученые придумывали разные системы настройки, в которых комма просто «переезжала» из одной части звукоряда в другой или делилась на несколько частей поменьше.

Доходило до того, что в XV веке органисты подпиливали трубы своих инструментов, чтобы уменьшить плохие интервалы и убрать комму.

Конечно, при этом портилось звучание других интервалов, но всего-то чуть-чуть. Такую процедуру укорачивания назвали темперацией, то есть выравниванием.

Темперация стала решением проблемы. Практика перешла в теорию: ученые пришли к необходимости урезать или удлинить интервалы, рассчитав новые схемы настройки, чтобы ошибку, комму, «размазало» по всей гамме. Конечно, в новой системе пошли прахом пифагорейские красивые целочисленные пропорции: если раньше нестыковка вылезала где-то в одном месте, то теперь фальшивыми были все интервалы. Спасает то, что фальшь эта слишком мала, чтобы человеческое ухо могло ее услышать — ошибка составляет несколько сотых долей от интервала между двумя полутонами.

Как часто бывает с замечательными идеями, выяснить, кто первым до нее додумался, невозможно. Одним из таких людей был Симон Стевин, голландский инженер, который предложил разделить октаву на 12 равных частей. Интервал между частями, по его идее, должен был равняться корню в 12 степени из двух. Такое решение сложнее, чем пропорции простых чисел, оно убивало пифагорейские интервалы, зато одним махом разрубало весь узел проблем, которые накопились к тому времени из-за пифагорейского строя. Мы до сих пор используем 12-ступенчатый звукоряд, который состоит из семи нот (белые клавиши на фортепиано) и пяти полутонов между ними (черные клавиши).

У темперации были как заступники, так и противники. Среди ученых, которые выступали за темперацию, были, например, Галилео Галилей и его отец Винченцо, который считал, что «стерпится — слюбится»: пусть интервалы при равномерной темперации и «неправильные», но человеческое ухо легко может к этому адаптироваться.

Спор вокруг темперации выходил за рамки простой музыкальной теории или математики.

Выступая за или против нового строя, ученые апеллировали даже к богословию.

Интервалы, выведенные Пифагором, считались данными свыше, божественными. Сомневаться в божественных правильных пропорциях целых чисел было греховно и противоестественно, точно так же, как подвергать сомнению геоцентрическую систему Вселенной.

Тем не менее в XVI—XVII веках книжная наука уступила место эксперименту и наблюдению и равномерная темперация стала брать верх. Галилей писал:

Консонанс и диссонанс

На протяжении столетий спор вокруг темперации шел потому, что одни звуки и созвучия консонансные, а другие — диссонансные. Консонанс слышать приятно и легко, а диссонанс вызывает в памяти такие ассоциации, «как кошке на хвост наступили», «как будто гвоздем по стеклу», «как будто ржавые петли скрипят». Чтобы стало понятно, что такое консонанс и диссонанс, нужно объяснить, как струна дает звук.

Беседуя с «Чердаком», композитор кино, выпускник МФТИ и РАМ им. Гнесиных Павел Жуков говорит: «Октава — это расстояние между двумя гармоническими колебаниями, точнее, длины волн этих гармонических колебаний соотносятся как 2:1. Получается, что одна волна, если мы рисуем синусоиду, пошла вверх, а потом вниз. А через одну они будут совпадать. И то же самое происходит со всеми целочисленными соотношениями, терциями и так далее — они через какое-то время совпадают. То есть они с каким-то периодом, пять длин волн, меньше или больше, они будут совпадать.

Если мы дергаем струну, возникает не только одно колебание, а возникает куча побочных, так называемые форманты или обертона. И вот эти обертона — это как раз первый обертон, это октавный обертон, следующий квинтовый, потом опять октавный, потом большая терция, потом малая септима. В общем, эти все звуки, которые прослушиваются в принципе неплохо, являются основой восприятия человеком звука. То есть те обертона, которые туда входят, воспринимаются консонансными. И туда не входит малая терция, кварта, и она долгое время считалась диссонансом, в эпоху Возрождения даже. Туда не входят секунда, септима большая и секунда малая».

Самые приятные, консонансные созвучия и правда образуют звуки с частотами, которые соотносятся одна к другой как целые числа. Например, «ля» первой октавы имеет частоту 440 герц, а «ля» второй — 880 герц. Интервал между ними — октава, и их частоты соотносятся в пропорции 1:2.

Описание

Равномерно темперированный строй хорошо сочетается с законом Вебера — Фехнера, установленным в 1860 году. В соответствии с ним интенсивность нашего ощущения от раздражителя нарастает линейно, хотя раздражитель усиливается по логарифмической шкале

Почему консонанс столь приятен нашему уху? На это нет однозначного ответа. Вот что об этом сказал «Чердаку» начальник центра нейрокоммуникативных исследований Института Пушкина, нейробиолог, кандидат биологических наук Антон Варламов, который проводил исследования восприятия музыкальной гармонии:

«За последние годы у биологов формируется понимание, что любовь человека к музыке связана с тем, что человек — социальное животное, и, по сути дела, получение удовольствия от музыки — это артефакт способности человека к речевому общению. Нам нравятся консонантные сочетания звуков. Волкам нравятся консонантные сочетания, мухоловкам (певчая птица Ficedula hypoleuca — прим. «Чердака»), детям новорожденным нравятся. Вполне логично, если человек общается голосом, если по голосу можно судить о эмоциональном состоянии собеседника, то у нас будут эти механизмы и мы будем пытаться эти параметры отслеживать.

Может быть это (любовь к консонансу — прим. «Чердака») связано с тем, что чистые тона связаны с живыми существами, с другими организмами, с общением. Такие звуки четче выделяются из окружающей природы, окружающих шумов. Можно предположить, что тембральная окраска голоса человека, именно вторые дополнительные гармоники будут соответствовать консонансному аккорду, если этот человек бодр, здоров, силен и весел».

По словам Романа Олейникова, автора книги «Построение музыкальных систем», нам не то чтобы нравился консонанс — скорее, нам точно не нравится диссонанс. Консонанс лучше уже тем, что это не беспорядочный шум. Ведь гармонические колебания мозгу просто легче обрабатывать: если частоты накладываются друг на друга и не остается лишних отзвуков, которые отвлекают внимание, нервная система меньше перегружается. В исследовании 2012 года, например, результаты опроса испытуемых показали, что «успокаивающее ощущение консонанса описывается как отсутствие диссонанса».

Пифагор, возможно, в чем-то был прав и тут, хотя ничего не знал про нейробиологию, акустику и частоты. Колебания, которые нам нравятся, называются гармоническими, а нравятся нам их сочетания потому, что их частоты аккуратно накладываются друг на друга в пропорциях, которые обнаружил древний грек.

 Максим Абдулаев

Теги

ФизикаМатематикаИстория

Ситар | Определение, описание, история и факты

Анушка Шанкар

Смотреть все СМИ

Ключевые люди:

Рави Шанкар Джордж Харрисон

Похожие темы:

смола семья лютней музыка Южной Азии сурбахар

Просмотреть весь связанный контент →

ситар , струнный инструмент из семейства лютневых, популярный в северной Индии, Пакистане и Бангладеш. Обычно ситар имеет длину около 1,2 метра (4 фута) и имеет глубокое грушевидное тело тыквы; длинная, широкая, полая деревянная шея; как передние, так и боковые колки для настройки; и 20 арочных подвижных ладов. Его струны металлические; обычно пять струн мелодии, одна или две струны дрона, используемые для акцентирования ритма или пульса, и до 13 симпатических струн под ладами на шее, настроенных на ноты раги (мелодическая основа исполнения). Выпуклые металлические лады завязываются вдоль грифа, что позволяет двигать их по мере необходимости. У ситара часто есть резонирующая тыква под концом грифа с колышком; это уравновешивает вес инструмента и помогает поддерживать его, когда на нем не играют. Музыканты сидя держат ситар на коленях под углом 45°. Они перебирают струны с помощью проволочного медиатора, надетого на указательный палец правой руки, в то время как левая рука манипулирует струнами, слегка нажимая на лады или между ними и натягивая струны в стороны.

Слово ситар происходит от персидского слова сехтар , что означает «трехструнный». Инструмент, по-видимому, произошел от лютни с длинным грифом, привезенной в Индию из Средней Азии. Ситар процветал в 16-м и 17-м веках и достиг своего нынешнего вида в 18-м веке. Сегодня это доминирующий инструмент в музыке хиндустани; используется как сольный инструмент с тамбурой (дрон-лютня) и табла (барабаны) и в ансамблях, а также для северно-индийской катхак (танцевальные драмы). Две современные школы игры на ситаре в Индии — это школы Рави Шанкара и Вилаят Хана, каждая со своим стилем игры, типом ситара (различного размера, формы, количества струн и т. Д.) И системой настройки.

Викторина «Британника»

Назовите этот музыкальный инструмент

Думаете, вы можете отличить таблу от литавр?

Во всем мире инструмент стал самым известным из южноазиатских лютней. В 1960-е годы звуки южноазиатских инструментов, особенно ситара, оказали влияние на ряд рок-исполнителей. Джордж Харрисон, соло-гитарист «Битлз», изучал игру на ситаре и играл на этом инструменте в нескольких песнях, начиная с «Норвежского леса» (1965). Другие музыканты того времени имитировали звуки ситара на гитаре; некоторые использовали электрический «ситар», который модифицировал инструмент для простоты исполнения, но сохранил его основной тональный цвет. В начале 21 века дочь Шанкара Анушка Шанкар стала выдающейся ситаристкой, которая объединилась с музыкантами со всего мира, чтобы исполнять и записывать оригинальную музыку, основанную на принципах хиндустани.

Редакторы Британской энциклопедии Эта статья была недавно отредактирована и обновлена ​​Эми Тикканен.

Инструменты семейства струнных — Что входит в семейство струнных?

Когда вы посмотрите на струнный инструмент, первое, что вы, вероятно, заметите, это то, что он сделан из дерева, так почему же он называется струнным  инструментом? Корпуса струнных инструментов полые внутри, что позволяет звуку вибрировать внутри них, сделаны из разных пород дерева, но часть инструмента, которая издает звук, — это струны, которые сделаны из нейлона, стали или иногда кишки. На струнах чаще всего играют, рисуя лук  поперек них. Рукоять лука сделана из дерева, а тетивы лука на самом деле из конского волоса! Иногда музыканты перебирают струны пальцами, а иногда переворачивают смычок вверх дном и играют на струнах деревянной ручкой.

Струнные — это самое большое семейство инструментов в оркестре, и они бывают четырех размеров: самая маленькая скрипка, альт, виолончель и самый большой контрабас, иногда называемый контрабасом. (Бас произносится как «база», как в слове «бейсбол».) Меньшие инструменты, скрипка и альт, издают более высокие звуки, а более крупные виолончель и контрабас производят низкие, насыщенные звуки. Все они одинаковой формы, с изогнутыми деревянными корпусами и деревянными шеями. Струны натянуты на корпус и гриф и прикреплены к небольшим декоративным накладкам, где они настраиваются маленькими колышками.

Узнайте о каждом инструменте в Семействе Стротий:
Скрипка • Виола • Виолончель • Двойной окунь • Арфа

Другие семейства инструментов:
Деревянные ветры • Латунь • Перкуссия

БИСПОЛЬЗА

СВОЕЙ ДЕЙСТВИТЕЛЬНЫЙ — БАРТИНА. из семейства струнных и, как младенцы, издают самые высокие звуки. Скрипок в оркестре больше, чем любого другого инструмента (их может быть до 30!) и они делятся на две группы: первую и вторую. Первые скрипки часто играют мелодию, а вторые скрипки чередуют мелодию и гармонию. Скрипка типичного размера имеет длину около 24 дюймов (два фута) с немного более длинным смычком. Вы играете на скрипке, положив ее между подбородком и левым плечом. Ваша левая рука держит гриф скрипки и нажимает на струны, чтобы изменить высоту тона, а правая рука двигает смычок или перебирает струны.

 

 

Альт

альт  является старшей сестрой или братом скрипки. Она немного больше, чуть более двух футов в длину, и имеет более толстые струны, которые производят более богатый и теплый звук, чем скрипка. В оркестре обычно от 10 до 14 альтов, и они почти всегда играют гармонию. Вы играете на альте так же, как и на скрипке, кладя ее между подбородком и плечом. Ваша левая рука держит гриф альта и нажимает на струны, чтобы изменить высоту тона, а правая рука двигает смычок или перебирает струны.

 

 

Виолончель

Виолончель выглядит как скрипка и альт, но намного крупнее (около 4 футов в длину) и имеет более толстые струны, чем скрипка или альт. Из всех струнных инструментов виолончель больше всего похожа на человеческий голос и может воспроизводить самые разные тона, от теплых низких тонов до ярких высоких нот. В оркестре обычно от 8 до 12 виолончелей, и они играют как гармонию, так и мелодию. Поскольку виолончель слишком велика, чтобы положить ее под подбородок, вы играете на ней сидя, положив корпус виолончели между коленями и гриф на левом плече. Корпус виолончели опирается на землю и поддерживается металлическим штифтом. Вы играете на виолончели так же, как на скрипке и альте, используя левую руку, чтобы нажимать на струны, и правую руку, чтобы двигать смычком или дергать струны.

 

 

 

Контрабас

Это дедушка семейства струнных инструментов. Имея длину более 6 футов, контрабас  является самым большим членом семейства струнных, с самыми длинными струнами, которые позволяют ему играть очень низкие ноты. Гармонию почти всегда играют от 6 до 8 контрабасов оркестра. Они такие большие, что вам придется встать или сесть на очень высокий табурет, чтобы играть в них, и это помогает, если у вас длинные руки и большие ладони. Как и у виолончели, корпус контрабаса стоит на земле, опираясь на металлический штифт, а гриф опирается на левое плечо. Вы воспроизводите звук так же, как на виолончели, используя левую руку для изменения высоты тона, а правую — для перемещения смычка или перетягивания струны.

 

 

 

Арфа

Арфа отличается от других струнных инструментов. Он высокий, около шести футов, по форме немного напоминает цифру 7 и имеет 47 струн разной длины, настроенных на ноты белых клавиш фортепиано. Обычно в оркестре одна или две арфы, и они играют как мелодию, так и гармонию. Вы играете на арфе сидя, поставив ноги по бокам, при этом гриф арфы опирается на правое плечо. Каждая струна звучит на отдельной ноте (они бывают разных цветов, чтобы вы могли отличить одну от другой), и вы играете на них, перебирая струны кончиками пальцев и большим пальцем.