После ознакомления с каждым из параметров и длительной практики с словарными словами оставшаяся часть семестра посвящена изучению этих элементов в хронологическом порядке через историю с различными музыкальными примерами, от Средневековья до наших дней (да , даже дабстеп включен!). В конце концов, я всегда так горжусь тем, насколько хорошо многие студенты могут что-то прослушать, а затем описать последовательность событий, используя описательную терминологию. Я также всегда в восторге от того, как у многих студентов растет интерес к разным стилям музыки, с которыми они, возможно, раньше просто не сталкивались. Когда я впервые согласился преподавать MUSI 1306, я не ожидал, насколько лучшим композитором станет мой опыт преподавания. В результате того, что я научился хорошо слушать и говорить о музыке, мое время на изучение партитуры стало более продуктивным, и я становлюсь более уверенным, преднамеренным и опытным композитором, принимающим решения. В рамках этой статьи я покажу вам один подход к прослушиванию музыки, а затем углублюсь в практические привычки моего этапа изучения партитуры и то, как это время помогает мне в создании композиционного плана во время набросков. фаза. (Для обзора всего моего творческого и предпринимательского процесса ознакомьтесь с этой статьей здесь)

Прослушивание музыки

Давайте вернемся к первому видео, которое я включил в начало статьи — голубой собор Дженнифер Хигдон, одной из наиболее часто исполняемых оркестровых композиций ныне живущих композиторов. Один из подходов к прослушиванию этой работы — взглянуть на программные заметки г-жи Хигдон (которые легко найти, выполнив поиск в Интернете по запросу «программные заметки голубого собора») и определить ключевые слова, которые вызывают у нас как у слушателей ожидания. Вот несколько выдержек для нашего обсуждения, где мои ключевые слова выделены жирным шрифтом: Синий… как небо . Где парят все возможности . Соборы… место мысли , роста, духовного выражения… служат символическим входом в этот мир и из него. Пока я писал эту статью, я обнаружил, что воображаю путешествие по стеклянному собору в небе. Поскольку стены должны были быть прозрачными, я увидел образ облаков и голубизну, проникающую снаружи этой церкви. В моем воображении слушатель вошел бы из задней части святилища, плывет по коридору среди гигантских хрустальных колонн, двигаясь в созерцательной позе. Используя приведенный выше список параметров, подумайте, как человек может передать ключевые слова аудитории. «Небо», «парение», «облака» и «плавание» — все это говорит нам о том, что работа будет направлена ​​на то, чтобы создать ощущение незаземленности. Как это можно осуществить? Вот несколько идей:

• Мелодия – восходящее движение (направление вверх) в мелодии создаст ощущение движения вверх. «Парение» может быть дизъюнктным (большие скачки), а «плавание» может быть конъюнктивным (ступенчатым).

• Метр – неметрическая или метрически неоднозначная музыка будет звучать так, как будто она парит и/или парит в небе.

• Гармония/тональность – мощный способ заставить аудиторию испытать подъемное чувство путем модуляции (перехода от одной тональности к другой) к более высокой тональности.

• Диапазон – более высокие звуки могут быть связаны с облаками. Более высокие звуки, находящиеся на большом расстоянии от более низких звуков, могут создать ощущение подвешенности в воздухе.

Программные заметки мисс Хигдон также содержат очень полезную информацию для управляемого прослушивания. Взгляните на другой отрывок из тех же программных заметок: Я хотел создать ощущение созерцания и тихого покоя в начале, двигаясь к ощущению праздника и экстатического расширения души, всего подпевая этой небесной музыке . Из этого утверждения ясно, что мы можем ожидать уровень энергии синий собор поначалу будет очень низким и будет постоянно расти. Вот некоторые мысли о том, как г-жа Хигдон могла бы произнести смелые слова, опять же используя схему параметров:

• Динамика – сначала очень тихая, чтобы передать созерцание и тихий покой, со временем становится очень громкой, чтобы передать радость и экстаз.

• Текстура – ​​сначала монофоническая или гомофонная, но по мере того, как произведение становится более активным, используется полифония. Чрезвычайно сильным утверждением является монофония при высокой громкости большинства или всех голосов.

• Инструменты – арфа – это безопасный выбор для передачи «небесной музыки». Трубы также часто ассоциируются со славной духовной музыкой.

• Темп – музыка может быть медленнее во время созерцательной, тихой части и быстрее во время праздничной части.

• Ритм – может быть более сложным, чтобы дать ощущение парения и созерцания. Экстатические секции также могут быть ритмически сложными и синкопированными, поскольку экстаз и рай — это слова, вызывающие ощущение чего-то необычного. С другой стороны, празднование может быть более предсказуемым, поскольку большинство инструментов играют похожие повторяющиеся ритмы короткой продолжительности.

Наконец, взгляните на этот отрывок из заметок мисс Хигдон: Я начал писать эту статью в уникальный момент своей жизни и обнаружил, что размышляю над вопросом о том, что составляет жизнь. Недавняя потеря моего младшего брата, Эндрю Блю, заставила меня задуматься об удивительных путешествиях, которые мы все совершаем в своей жизни, пересекая пути со многими людьми по отдельности и вместе, учась и развиваясь на каждом этапе пути… В честь моего брата , я исполняю соло для кларнета (инструмента, на котором он играл) и флейты (инструмента, на котором я играю). Поскольку я старший брат, флейта появляется первой в этом диалоге. В конце произведения два инструмента продолжают свой диалог, но флейта выпадает, а кларнет продолжает свое восходящее восходящее путешествие. Это история, которая увековечивает жизнь и прохождение через места знаний, обмена и той песни, которая называется жизнь. Особенно в сочетании с предыдущим отрывком, в котором говорилось, что произведение начнется тихо и переместится в место празднования, это дает глубокое понимание того, что ожидается от формы произведения, которая относится к тому, как произведение структурировано. Часто рассказы в литературе, фильмах, музыке и т. д. вводят информацию, отходят от информации, а затем возвращаются к ней, создавая структуру ABA, известную как тернарная. Поскольку г-жа Хигдон заявляет, что она будет начинать и заканчивать солистами флейты и кларнета в соответствующем порядке, разумно ожидать, что мы можем столкнуться с тройной формой произведения. Имея либо эту оценку, либо собственную оценку, вы теперь можете слушать и делать замечания о том, насколько работа соответствовала вашим ожиданиям и отличалась от них. Вы также можете составить мнение о том, насколько успешным является само представление и работа в том, чего они пытаются достичь, и сможете подтвердить свою позицию конкретными примерами!

Исследование партитуры

Чтобы копнуть глубже, я беру свои наблюдения о произведении и подробно изучаю, как композитор писал музыку, получая и изучая партитуру. Например, мои классы часто сообщают, что в голубом соборе они могут увидеть, как писатель пробирается через этапы горя к месту принятия. Поэтому цель изучения синего собора для меня состоит в том, чтобы исследовать, как достигается колеблющееся чувство ностальгии по сравнению с настоящим. На первый взгляд, когда я слушаю, есть много резких окончаний фраз и внезапных изменений в центре тональности. При изучении партитуры я бы сравнил и сопоставил длину каждой фразы и то, в чем именно заключаются ключевые изменения. (От себя лично я знаю по опыту, что после потери кого-то наши мысли часто сосредотачиваются на наших воспоминаниях о любимом человеке, но мы сталкиваемся с растущим осознанием того, что он ушел. По моему мнению, великий композитор — это тот, кто может глубоко передать , истина и опыт, понятные внимательному слушателю, независимо от происхождения слушателя. синий собор — это самая распространенная работа, которую мои студенты активно ищут в живом исполнении, и это лучший известный мне способ похвалить мисс Хигдон и ее невероятно трогательную работу.) Мои выводы в результате изучения партитуры были бы особенно полезны, если бы Я писал произведение, посвященное проблеме горя, независимо от того, является ли исполняющий ансамбль оркестром или нет. В качестве справки, вот список вопросов, которые я рекомендую композиторам при сборе партитур, чтобы найти вдохновение и методы для начала работы любого рода:

• Какие чувства вы надеетесь вызвать?

• Какую историю вы надеетесь рассказать?

• Какие еще композиторы написали произведения, успешно передающие подобную историю или чувство?

• Достаточно ли я знаю о своей работе на этапе предварительного сочинения, чтобы написать черновой вариант примечаний к программе в качестве руководства?

• Какие партитуры и записи мне нужно найти, чтобы почерпнуть из них?

• Учел ли я инструментарий, уровень способностей исполнителей, предполагаемую аудиторию, место, где будет исполняться, продолжительность произведения и количество репетиционного времени, которое потребуется исполнителям для его подготовки? ?

• Есть ли какие-то области, в которых я надеюсь развиваться как композитор во время создания произведения? (т. е. научиться писать сильную мелодию, создавать удачные переходы между разделами и т. д.)

После того, как композитор определил свои практические и коммуникативные цели для работы, прослушал и нашел музыку, которая достигает аналогичных целей, а также нашел партитуры и записи, следующим шагом будет изучение партитуры. И для меня это вне зависимости от уровня сложности работы! В моей последней статье, посвященной музыке молодых групп в Texas PML, я сообщил о своих выводах в области тональности, темы, длительности, темпа, метра, уровня сложности, диапазона, мелодии и гармонии после изучения четырнадцати самых популярных произведений в списке. . Хотя все области чрезвычайно важны для меня, особенно полезно было найти правильную длину для моих новых музыкальных произведений этой весной, и поэтому я определил диапазон, медиану и моду после сравнения и сопоставления этих работ:

Тема работ также была очень важна для меня:

И помимо того, что я изучил эту информацию для себя, я также начал презентацию в PowerPoint, если я решу сделать клиническую презентацию на тему музыки молодых групп в будущем. И я смог использовать красивые слайды для этого блога!

Кроме того, невозможно переоценить преимущества копирования и расшифровки партитур. Даже великий Дж.С. Ходили слухи, что Бах часами копировал музыку Генделя от руки. Лично я считаю, что написание музыки в моей нотной программе помогает мне бороться с вечно трудной борьбой с тем, как что-то звучит, воспроизводимое с компьютера, и как что-то на самом деле будет звучать в живом исполнении. Если я начну с чего-то, что уже хорошо записано, а затем запишу это, я смогу увидеть, что композитор услышал при воспроизведении, прежде чем услышать, как это играют музыканты.

Еще одна привычка, которую следует развить, — это создание ресурсов для себя за счет времени, потраченного на изучение результатов. В прошлом году я написал произведение с намерением передать звуки автомобильного завода и звуки эпохи цифровых технологий, написанные для квинтета деревянных духовых инструментов. Обращение к моим друзьям-исполнителям деревянных духовых инструментов было невероятно полезным, поскольку я спросил их, есть ли у них какие-либо идеи относительно различных звуков, которые могут издавать их инструменты. В сочетании с изучением партитур и воспоминаниями о прошлых выступлениях я создал эту таблицу, которую буду использовать в качестве ориентира на будущее:

Главное, к чему следует вернуться, — помнить о стратегическом подходе к учебе, особенно если вы учитесь с намерением написать новую работу. Я чувствую, что изучение партитур часто похоже на вложение денег в банк, а написание — это трата этих денег. Отправляйтесь в свое исследование с конкретными целями в определенных областях параметров (форма, гармония и т. д.) и, если возможно, используйте свои открытия для себя и других.

Планирование композиции: структура и золотая середина

С планирования композиции я обычно начинаю после изучения партитуры, вооружившись вдохновением и имея в виду свои цели, и создаю график и/или список предполагаемой последовательности событий, и/или черновой набросок примечаний к программе. Вот несколько примеров:

Отсюда, если я знаю предполагаемую длину, я могу понять, сколько времени у меня будет в каждом разделе. Например, если у меня пятиминутная работа, у меня есть триста секунд. Используя золотую середину (для получения дополнительной информации о золотой середине, ознакомьтесь с этой статьей: https://www.cmuse.org/classical-pieces-with-the-golden-ratio/), я могу вычислить 0,618 с помощью работы , умножив 300 на 0,618, что равно ста восьмидесяти пяти секундам или трем минутам и пяти секундам. Суть золотой середины заключается в том, что после этого момента новая информация не вводится, поэтому я определяю, сколько информации я хотел бы ввести примерно за три минуты и пять секунд. Скажем, у меня есть две музыкальные идеи, которые я хотел бы включить, в примерно таком формате:

Введение

Тема A

Переход

Тема B

Чтобы донести до аудитории, что разделы Темы A и Темы B имеют относительно равную важность, я обычно стремлюсь дать каждому разделу одинаковую длину, в данном случае, возможно, от минуты до минуты и пятнадцати секунд каждый. Оставшееся время будет разделено между введением и переходом. Теперь, если я решу уделить Теме А одну минуту времени, и как только я начну писать свою музыку, я пойму, что темп составляет около 120 ударов в минуту, а размер составляет 4/4, я могу рассчитать объем пространства, с которым мне нужно работать. в мерах. Такт в размере 4/4 состоит из 4 долей, каждая из которых занимает ровно 1/2 секунды при 120 ударах в минуту. Таким образом, каждый такт длится две секунды, и, поскольку у меня есть целая минута для работы, я делю шестьдесят секунд на две секунды на такт и в итоге получаю тридцать тактов для Темы А. Мне иногда легче думать о музыка в меру, чем время для сочинения!

Переходы и окончание

Хороший переходный раздел обычно начинается с характеристик, подобных предшествующему ему разделу, и переходит в раздел, непосредственно следующий за ним. Переходы — это обычно то, с чем я лично сталкиваюсь больше всего, и в настоящее время это центральная часть моей работы над партитурой. Я часто нахожу наиболее полезным написать переход после написания разделов до и после него, чтобы я знал, куда я иду и откуда я пришел. На данный момент я обычно применяю методический подход к переходу, используя свой список параметров и методично сравнивая и противопоставляя разделы «Тема A» и «Тема B» (или «Тема B» и «Тема C» и т. д.). Вот один из моих последних списков для работа концертной группы:

Тема A

Текстура — полифонический

Центр тонального гармоника — BB Mixolydian

метр 4/4, с ритмическим акцентом на биты 1 и 3

Использование буймбурана, а маримба

Dynamic — громкий

2

2 2

2 2

2 2

2 2

2 2

2 2

2 2

2 2

2 2

2 2

2 2

2 2

2 2

2 2

2 2

2 2

2

2 2

2

2 2

2 2

2

2

2

2

2

2

Тема B

Текстура контрапунктическая, в разговорном стиле

Тональный гармонический ключ в центре ми-бемоль мажор

Размер 4/4 с ритмическим акцентом на долю 2

Используются гонг и малый барабан без малого барабана на

Динамический уровень находится на меццо форте

Моя работа на этом этапе будет состоять в том, чтобы написать переход, который трансформирует элементы из одного в другой приятным образом. Чтобы перейти от ми-бемоль мажор к миксолидийскому си-бемоль, я бы в какой-то момент перехода дестабилизировал аккорд ми-бемоль мажор. Так как у них одинаковое количество бемолей, и для перехода от одного к другому не нужны альтерации, я мог бы начать размещать аккорды Eb на долю 2. Это, возможно, также позволило бы переместить ритмический акцент с доли 1 на долю 2, который является еще одним элементом, который необходимо преобразовать. Переходная секция должна потерять некоторый динамический уровень, чтобы перейти от форте к меццо форте, а исполнителям на маримбе и тамбурине нужно будет сбавлять обороты, при этом один игрок, возможно, перейдет к гонгу, а малый игрок выключит малые барабаны. Наконец, фактура перейдет от полифонической, в которой перекликаются музыкальные идеи одинаковой важности, к контрапунктической разговорной фактуре, в которой секции по очереди делают свои высказывания в противоположных нисходящих и восходящих направлениях.

И, что касается нашей последней темы для обсуждения, окончания также имеют определенные характеристики, которые заставляют слушателя понять, что история подходит к концу. Часто это достигается с помощью техники, известной как синтез, при которой все темы, представленные в первых 60% (или иных) работы, возвращаются, иногда перекрывая друг друга. Типичная цель, когда материал начинает возвращаться, состоит в том, чтобы закончить рассказ, продемонстрировав, как материал соотносится и контрастирует друг с другом. Я бы не хотел смотреть фильм, в котором истории ни одного из персонажей не закончены, или фильм, в котором я узнаю, что происходит с одним из персонажей, только если было представлено и развито более одного персонажа. В музыке почти всегда основная тема, обычно Тема А, возвращается в той или иной форме. И обычно другие основные темы тоже. Заключительные разделы часто успешны, поскольку звучат по-разному на поверхностном уровне, но при дальнейшем рассмотрении на самом деле они связаны и взяты из более раннего материала. Почти у всех слушателей сложится твердое мнение о том, удовлетворительно ли закончилась ваша работа с точки зрения повествования, поэтому не забудьте подвести итоги!

Обычная стратегия для начала работы над композицией при создании новой работы — писать около минуты музыки каждый день в течение недели или двух. Вы можете изо дня в день осознавать, как может быть связана музыка, а может и нет. В конце этапа наброска вы сможете выбрать одну или две темы для работы! Иногда я даже отбрасываю эти эскизы исполнителям или заказчику. Вот мои мысли в двух словах о том, как слушать, так и создавать художественную музыку! А теперь – пора за работу.