Морфологический разбор слова пример и образец для русского языка

Морфология – (от греч. Morphe – форма +logos – учение) – это раздел лингвистики, которые занимается грамматическим учением о слове, включающим в себя учение о структуре слова, формах словоизменения и способах выражения грамматических значений. Но основное направление морфологии как раздела лингвистики – это учение о частях речи и присущих им способах словообразования. Именно морфология вместе с синтаксисом составляют грамматику.

В русском языке части речи делятся на две группы: самостоятельные и служебные. Как видно из названия, части речи из самостоятельной группы могут быть и отдельными элементами речи, и входить в речевые обороты. А вот служебные части речи лишь уточняют смысл сказанного или написанного. Именно поэтому морфологический разбор слова имеет свою структуру для каждой части речи.

Прежде, чем понять, как разбирать слово по схеме морфологического анализа, необходимо определить, к какой части речи принадлежит анализируемая лексема. Затем слово обязательно необходимо поставить в его начальную форму. А после этого определить все признаки, свойственные той части речи, к которой относится проверяемое слово.

На нашем сайте можно найти образцы морфологического разбора всех частей речи, а также примеры морфологического разбора слов. В каталоге, посвященному морфологическому анализу, собраны разборы самых популярных слов, которые могут послужить примером для выполнения домашнего задания. Поскольку морфологический анализ слова включен в опросы ЕГЭ, мы рекомендуем обратиться к нашему каталогу и тех, кому предстоит пройти контрольное тестирование по русскому языку.

Для каждого слова каталога выполнен подробный морфологический разбор, а также написан пример предложения, в котором используется проверяемое слово. Это поможет лучше запомнить синтаксическую роль в предложении анализируемой лексической единицы.

Благодаря нашему сайту и разделу каталога, посвященному морфологическому разбору, вы без труда научитесь быстро определять часть речи проверяемой лексемы, определять постоянные и непостоянные признаки, свойственные той или иной части речи. С нашим сайтом вы без труда напишите контрольную работу по морфологии и на отлично произведете морфологический разбор любого слова на итоговом тестировании.

Композиция в искусстве

Что такое композиция в искусстве?

Очевидно, что создание успешного произведения искусства — это нечто большее, чем создание отметок и среднее мастерство. Наша композиция играет важную роль в том, как наши работы воспринимаются и воспринимаются нашей аудиторией.

Но прежде чем мы определим композицию с точки зрения искусства, давайте рассмотрим связанный с этим предмет.

Если вы музыкант, то знаете, что музыкальные произведения также могут называться «сочинениями». У песни есть структура. Каждый музыкант играет «свою роль». Если музыкант играет не в то время или играет не те ноты, песня превращается в беспорядок. Каждая часть тщательно продумана, чтобы песня была лучшей из возможных. В некоторых песнях гитара может иметь больше партий и доминировать в песне. В других случаях это может быть пианино.

Мы можем сравнить эту музыкальную аналогию с искусством.Как и песня, каждое произведение искусства, которое мы создаем, имеет структуру (или должно иметь структуру). Как художники, мы планируем эту структуру и реализуем ее по мере создания искусства.

Если мы не будем тщательно планировать элементы, которые мы включаем, наше искусство может превратиться в настоящий беспорядок.

Итак, когда дело доходит до искусства, композиция — это расположение элементов в живописном пространстве (или трехмерном пространстве со скульптурой). Расположение и расположение элементов в произведении влияет на то, как зритель взаимодействует с тем, что мы создаем.

Как и в случае с песней, возможности безграничны. У нас есть полная творческая свобода в том, как мы располагаем элементы в наших работах. Но даже несмотря на то, что возможности безграничны, это не означает, что мы можем использовать бессистемный подход без планирования. Мы должны создавать свои композиции, как это сделал бы опытный композитор.

В некоторых произведениях может доминировать определенный элемент. В других случаях может доминировать другой элемент. Однако мы всегда должны следить за тем, чтобы не было слишком большого количества элементов, конкурирующих за внимание.Мы не ожидаем, что в песне будут одновременно звучать гитарное соло, фортепианное соло и барабанное соло. В произведении искусства мы также не ожидаем, что все элементы, которые мы включаем, будут конкурировать за внимание.

Вместо этого мы должны сосредоточить внимание зрителя на одном или двух элементах сцены. Эти элементы становятся центром (-ами). Все остальные элементы в работе затем становятся вспомогательными актерами.

Создание координационных центров

Точка фокусировки — это область или области в сцене, которые привлекают визуальное внимание зрителя.В большинстве случаев координационные центры включают основной предмет. У каждого произведения искусства должен быть хотя бы один фокус.

Количество координационных центров должно быть ограничено. Во многих случаях требуется только один координатор. У вас может быть более одного координационного центра, но любое число, превышающее три, будет сложно определить. Если в вашей работе есть несколько фокусов, тогда должен быть один, который доминирует над остальными. Другими словами, должен быть один главный координационный центр и, возможно, вспомогательный или второстепенный координационный центр.

Фокусные точки могут быть созданы в работе с использованием различных техник. Эти методы включают…

• Контраст
• Изоляция
• Размещение
• Конвергенция
• Необычный

Хотя здесь мы кратко рассмотрим каждую из этих техник, мы рассмотрим их более подробно в этих уроках …

Теперь давайте кратко рассмотрим каждый метод создания фокуса.

Контраст

Контраст имеет дело с различием.Это может быть разница в стоимости, цвете, текстуре, размере и т. Д. Когда мы включаем область с сильным контрастом, она притягивает взгляд зрителя к этому месту в работе и создает фокус.

Изоляция

Если у вас когда-либо были проблемы в детстве, и учитель загнал вас в угол, тогда вы знаете, что такое изоляция. Когда вас отправляют в угол, все дети в классе смотрят на вас. Какое ужасное наказание!

Когда мы выделяем предмет или элемент на рисунке или картине, этот элемент естественным образом привлекает внимание и становится центром внимания.

Размещение

Мы визуально подтягиваемся к центру фигур. Если мы думаем о картинной плоскости нашей работы как о форме, такой как прямоугольник, тогда мы можем ожидать, что наш зритель будет перемещен в центр. Если мы поместим объект близко или точно в центр нашей картинной плоскости, то этот объект станет фокусной точкой.

Ван Гог «Голова женщины» 1882

Хотя эта техника работает для создания сильной точки фокуса, обычно это не лучший метод для создания визуально стимулирующей композиции.Когда мы помещаем предметы в центр работы, результат обычно статичен и скучен. Лучше разместить объект немного не по центру, а еще лучше — на одной из третей. Подробнее об этом чуть позже.

Схождение

Конвергенция — это акт управления взглядом зрителя внутри произведения с помощью визуальных подсказок. Это могут быть линии, формы, контрастные цвета и т. Д. Каждый элемент, который мы включаем, может направлять взгляд зрителя к фокусу. Иногда нас привлекает область в работе просто потому, что художник манипулирует элементами, чтобы привлечь наше внимание к определенной области.Мы тоже можем это сделать!

Необычное

Все необычное привлекает наше внимание. Точно так же все, что мы включаем в нашу работу, что не ожидается или резко отличается от других элементов в сцене, станет фокусом.

Создание четкой точки фокуса важно для создания сильной композиции, но это еще не все. Также стоит учесть несколько принципов дизайна.

Принципы дизайна в художественной композиции

Принципы дизайна касаются расположения элементов искусства в работе.Элементы искусства — это основные компоненты или строительные блоки художественного творчества.

Подробнее об элементах искусства и принципах дизайна можно узнать здесь…

Восемь принципов дизайна…

• Весы
• Пропорции
• Механизм
• Ритм
• Гармония
• Единство
• Акцент
• Сорт

(Некоторые искусствоведы также включают контраст как принцип.Но поскольку контраст может создать акцент, большинство людей не входит в список восьми.)

Не все принципы дизайна напрямую влияют на наши композиции, но большинство из них влияет. Вот более подробные сведения о тех, которые делают…

Баланс

С точки зрения искусства, баланс относится к общему распределению визуального веса в композиции. Каждый объект, который мы включаем в произведение, имеет визуальный вес. Когда мы добавляем элемент к одной стороне нашей композиции, нам нужно добавить еще один или несколько элементов, чтобы сбалансировать визуальный вес на другой стороне.

Визуального баланса можно добиться, добавляя элементы или используя отрицательное пространство. (Подробнее о негативном и позитивном пространстве чуть позже.)

Мы можем сравнить баланс с качелями или качелями. Представьте, что у нас есть один большой объект (или человек) по одну сторону от качелей. Качели не будут сбалансированы.

Но, если мы добавим пару предметов (или людей) среднего размера на другую сторону качелей, мы достигнем равновесия. Теперь качели уравновешены.

Если работа не сбалансирована визуально, она может казаться «тяжелой».Например, если мы добавим слишком много визуального веса в нижнюю часть композиции, вес будет притягивать взгляд зрителя к низу. Композиция будет тревожной.

Но если мы противодействуем этому весу с помощью одного или двух элементов в верхней части композиции, то он станет более сбалансированным.

Мы также должны знать, как наша композиция обрезается, поскольку это также может повлиять на баланс.

Часто у нас будут элементы, выходящие за пределы плоскости изображения.Если края этих элементов расположены так, чтобы они были близко к краям плоскости изображения, это создаст дополнительный визуальный вес и, возможно, нежелательное внимание.

Взгляните на изображения ниже. На изображении слева обратите внимание, как птица расположена слишком близко к краю картинной плоскости. Край ветки вверху тоже слишком близко к левой стороне картинной плоскости.

На втором изображении имеется достаточно места с обеих сторон плоскости изображения, чтобы обеспечить некоторый баланс, приводящий к лучшей композиции.

Если мы расположим предметы в наших работах так, чтобы их края либо заканчивались немного дальше от краев плоскости изображения, либо выходили далеко за пределы плоскости изображения, тогда этот визуальный вес минимизируется.

Мы также должны рассмотреть каждый из краев картинной плоскости. Если у нас есть элементы, выходящие за пределы плоскости изображения с двух сторон, мы можем создать слишком большой визуальный вес на этих двух сторонах. Но если мы позволим объектам выйти за пределы картинной плоскости со всех четырех сторон, мы сможем создать более сбалансированную композицию.

Механизм

Движение может относиться к иллюзии реального движения на рисунке или картине; или это может относиться к движению глаз зрителя, когда он знакомится с вашим искусством. Что касается композиции, нас больше всего беспокоит последнее.

Когда зритель взаимодействует с вашим искусством, его взгляд перемещается от одного элемента к другому. Обычно самый властный элемент требует немедленного внимания. После этого зритель может перейти к другим вспомогательным элементам сцены.

Как художники, мы можем контролировать это «движение глаз» в зависимости от того, как мы планируем нашу композицию. Мы можем направлять зрителя к наиболее важным элементам и много раз контролировать, как большинство людей «проглотят» наше творение. В большинстве случаев мы хотим, чтобы взгляд зрителя просматривал работу в определенной последовательности.

В зависимости от тематики заказ может выглядеть примерно так…

1. Зритель втягивается в работу.
2. Зритель направляется к фокусу (точкам).
3. Зритель направляется к опорным элементам.
4. Зрителя выводят из работы или возвращают к фокусу.

Это визуальное движение обычно достигается за счет создания контраста, направляющих линий, диагоналей и перекрывающихся элементов.

Взгляните на работу ниже. Когда вы его исследуете, обратите внимание на то, как ваши глаза перемещаются по работе.

Уиллард Меткалф «Летящие тени» 1909-1910

Возможно, ваш взгляд пошел по тому же пути, что и мой. Я вошел в работу на дне долины, у ручья.По линии более темных деревьев я направился к центру изображения, а затем вернулся в лес. Затем я последовал за линией деревьев прямо перед далекими горами. Оттуда меня повели обратно в центр.

Расположение этих элементов позволило мне увидеть все важные части работы, в то же время оценив каждую часть картины отдельно.

Мы можем использовать те же методы, чтобы немного контролировать, как зритель взаимодействует с нашим искусством.Хотя мы не можем полностью контролировать то, как люди будут рассматривать наше искусство, мы можем влиять на их визуальный опыт.

Ритм

Мы понимаем ритм через повторение. Например, мы можем слышать ритм песни и ее ритм, потому что она повторяется — много раз предсказуемым образом. Без повторения нет ритма.

В искусстве то же самое. Чтобы иметь ритм, нам необходимо повторение. Визуально ритм создают повторяющиеся элементы. Это может быть регулярный или неправильный узор из повторяющихся форм или повторение определенного предмета.В любом случае повторяющиеся элементы создают ритм.

Взгляните на картину ниже. Обратите внимание на чувство ритма.

Ван Гог «Ирисы» 1889

Этот ритм создается повторением. Здесь мы видим, как повторяются формы, созданные для лепестков цветов…

А также формы для меньших цветов в верхнем левом углу…

Формы радужки ничем не отличаются. Еще повторяют…

Повторяющийся элемент в произведении часто называют «мотивом».Включение мотива в вашу работу часто может привести к чувству гармонии и единства.

Вернемся к музыкальной аналогии. В большинстве популярных песен присутствует постоянный ритм на протяжении всей песни. Динамика песни может измениться, но размер меняется редко. И даже несмотря на то, что ноты могут резко меняться, последовательный ритм объединяет песню от начала до конца.

Наши работы должны обладать этой последовательностью, которая подводит нас к следующим принципам — гармонии и единству.

Гармония и единство

Наши художественные композиции также должны быть гармоничными и едиными.Гармония и единство настолько тесно связаны, что легко предположить, что это одно и то же. Они очень похожи, но в наших композициях каждый стоит рассматривать отдельно.

Unity имеет дело с чувством «единства». Обычно это достигается в произведении искусства путем последовательного и полного использования среды. Мы также можем думать о единстве с точки зрения художественного стиля. Если стиль и использование средств массовой информации последовательно используются в произведении, и работа кажется завершенной и законченной, мы обычно можем сказать, что работа едина.

Unity также можно создать в работе путем упрощения. Этого можно добиться, упростив формы, предметы или цветовые схемы.

Работа, представленная ниже, едина и гармонична по ряду причин. Самый очевидный способ его объединения — использование цвета.

Роберт Харрис «Интерьер Северной Африки» 1877

Харрис упростил цветовую схему и использовал в основном дополнительные цвета — красный и зеленый. Зеленый цвет очень землистый, но все же присутствует.

Гармония помогает создать единство в работе. В то время как единство относится к произведению искусства в целом, гармония в большей степени относится к отдельным частям произведения. Если отдельные части произведения работают вместе, то искусство можно считать гармоничным.

Еще один способ думать об этом — подумать о семье. Семья состоит из разных членов. Давайте посмотрим на семью в традиционном смысле для этой аналогии. В семье могут быть отец, мать, сын и дочь.Каждый член семьи индивидуален и уникален, но семья по-прежнему остается единым целым. Некоторые семьи хорошо ладят друг с другом, а другие — нет.

Мы можем создать гармонию и единство в наших композициях с помощью…

• Последовательное использование среды на протяжении всей работы.
• Упрощение форм, предметов или цветовых схем.
• Использование единого стиля на протяжении всей работы.
• Убедиться, что работа завершена.
• Обеспечение того, чтобы каждая отдельная часть изделия работала (и имела смысл) с другими частями.

Акцент

Мы часто используем акцент, чтобы определить фокус или точки в композиции. Мы уже обсудили несколько способов, которыми художник может создать фокус в своей работе. Каждый из этих методов делает упор на успех. Акцент обычно создается в работе через некую форму контраста.

Взгляните на работу ниже. Как вы думаете, что подчеркивается?

Эдгар Дега «Любитель абсента» 1876

Многих из нас привлекает женщина в этой сцене, а точнее — ее лицо.Дега привлек к ней наше внимание несколькими способами. Во-первых, она расположена в центре картинной плоскости. Также вокруг нее сильный ценностный контраст. Обратите внимание, как мужчина рядом с ней одет в черное, а она — в белое. На стене рядом с ее светлым лицом даже есть темная тень.

Затем есть линии схождения, образованные столами и задним краем скамейки.

Вы также заметите, что лицо женщины имеет больше деталей по сравнению с другими элементами сцены.Это также помогает привлечь внимание зрителя.

Все эти характеристики помогают повлиять на то, как мы взаимодействуем с объектом.

Разновидность

Подобно выделению, разнообразие также имеет отношение к различию. Наши рисунки и картины должны быть разнообразными.

Задумайтесь на мгновение о своей любимой еде. А теперь подумайте, какой была бы жизнь, если бы вам приходилось есть любимую пищу при каждом приеме пищи до конца жизни. На завтрак, обед и ужин — у вас есть любимая еда и ничего больше.Это может быть здорово в первый день, но после этого вы очень устанете от любимой еды.

Точно так же мы можем думать и о наших произведениях искусства. Мы не хотим утомлять зрителей одной и той же визуальной информацией. Вместо этого мы должны включать некоторое разнообразие, чтобы удерживать их интерес и делать наши работы более интересными.

Хитрость здесь заключается в том, чтобы уравновесить гармонию и разнообразие. Если зайти слишком далеко в разнообразии, работа, скорее всего, не будет гармоничной. Если мы зайдем слишком далеко с гармонией, в работе может не хватить разнообразия.

Взгляните на изображение ниже. Обратите внимание на разнообразие…

Василий Кандинский «Композиция IV» 1911

Кандинский создал разнообразие, используя широкую цветовую гамму, но сохранил единство картины за счет упрощения.

Положительное и отрицательное пространство

Космос — один из семи элементов искусства. Когда мы думаем о пространстве, мы часто рассматриваем его с точки зрения глубины или иллюзии глубины рисунка или картины. Однако, когда дело доходит до композиции, мы можем думать о пространстве как о фактическом живописном пространстве на поверхности рисунка или картины.

Пространство, занятое важными предметами или элементами дизайна, считается положительным пространством. Области, окружающие эти места, считаются отрицательным пространством. Часто именно негативное пространство обеспечивает зрителю зону «отдыха».

Взгляните на изображения ниже. Сначала мы видим исходное изображение слева. На среднем изображении отрицательное пространство выделено красным. В третьем мы видим положительное пространство, выделенное красным.

Положительное и отрицательное пространство работают вместе, создавая композицию.Композиция может состоять в основном из позитивного пространства, равномерного баланса двух или в основном из негативного пространства.

На следующем изображении показана композиция, состоящая в основном из позитивного пространства…

Вот пример композиции, состоящей из равных частей положительного и отрицательного пространства…

А вот один, в основном состоящий из отрицательного пространства…

Каждая из этих композиций основана на одном и том же предмете, и каждое из них можно считать «успешным».

Успешное использование положительного и отрицательного пространства в композиции зависит от баланса. Как достигается этот баланс, будет зависеть от объекта, использования носителя, уровня детализации, контраста и других визуальных факторов.

Лучший способ сбалансировать работу и убедиться, что положительное и отрицательное пространство работает на благо композиции, — это тщательное планирование.

Планирование композиции

Планирование — это, пожалуй, самый важный аспект успеха ваших композиций.К сожалению, это шаг, который большинство людей полностью пропускают.

Допустим, вы решили отправиться в путешествие по месту, в котором никогда раньше не бывали. Было бы бессмысленно просто паковать чемоданы, садиться в машину и уезжать, не зная, как добраться до места назначения. Скорее всего, вы взглянете на карту или введете пункт назначения в систему навигации. Вы никогда не прибудете в пункт назначения без какой-либо подготовки и руководства.

Таким же образом мы должны спланировать наши композиции, прежде чем пытаться их исполнить.Нам нужно знать, «куда мы идем» с нашими произведениями искусства. Мы должны спланировать конечный результат, прежде чем приступить к его созданию. Мы можем изменить наши идеи в процессе работы, если захотим, но мы должны иметь общее представление о том, как должна выглядеть законченная работа, прежде чем мы начнем.

Планируя, мы можем решить все композиционные головоломки, которые помогут создать сильное произведение искусства. Когда мы делаем это, мы можем сосредоточиться на самом процессе рисования и раскрашивания, поскольку большинство наших решений относительно композиции уже принято.

В большинстве случаев планирование композиции включает создание небольших рисунков без деталей. Эти небольшие рисунки часто называют эскизами или предварительными набросками. Миниатюры следует создавать быстро и подходить к ним с экспериментальной точки зрения. Чем больше эскизов вы создадите перед тем, как перейти к окончательной поверхности, тем выше ваши шансы на создание успешной композиции.

Создавая миниатюры, будьте готовы пробовать разные вещи.Поэкспериментируйте с расположением предметов и балансом положительного и отрицательного пространства. Подумайте, как взгляд зрителя может перемещаться по произведению. Попробуйте вертикальные композиции и сравните их с горизонтальными. Поэкспериментируйте с разными цветами. Держите свой разум открытым.

Часто у нас в голове есть видение того, что мы хотим создать, и мы, естественно, предполагаем, что именно это видение является наиболее успешным. Однако в большинстве случаев наше первоначальное видение — это лишь «верхушка айсберга».Если немного «покопаться», наше первоначальное видение превратится в нечто гораздо более успешное. Это происходит только тогда, когда мы открыты для экспериментов и уделяем время планированию.

Правило третей

Правило третей — это теория композиции, основанная на размещении предметов в композиции. Он основан на «Золотом сечении», математической формуле, описывающей пропорциональные отношения. Поскольку золотая середина довольно сложна, большинство художников и фотографов полагаются на правило третей для создания аналогичного эффекта.

Вот как это работает…

Давайте возьмем композицию и разделим ее на три части — по горизонтали и вертикали. Мы можем представить себе линии, идущие вдоль каждой трети. Эти линии пересекаются в четырех точках на картинной плоскости. Помещая важные объекты или фокусные точки на этих местах пересечения или рядом с ними, мы создаем более эстетически успешную композицию.

Арман Гийомен «Лощина в снегу» 1869

Обратите внимание, как Гийомен поместил фигуру почти прямо в одну из этих точек.

Мы также можем создавать более динамичные и интересные композиции, размещая предметы непосредственно на этих линиях.

Создание диагоналей

Композиции могут быть динамическими или статическими. Статические композиции довольно прямолинейны и прямолинейны. Статическая композиция имеет смысл для информационного изображения — как научная иллюстрация. Напротив, динамичная композиция создает большее ощущение истории и привлекает зрителя. В большинстве случаев мы хотим, чтобы наши композиции были динамичными.

Динамические композиции можно создать, включив в работу диагонали. Эти диагонали могут быть созданы с использованием реальных линий и форм или подразумеваемых линий. Их также можно использовать, чтобы помочь зрителю ориентироваться в работе, как мы уже обсуждали ранее.

Фредрик Ремингтон «Ковбой» 1902

Ищите интересные способы включить диагонали в свою работу. Это может означать, что вы изменили угол обзора зрителя. Вместо того, чтобы рисовать или раскрашивать объекты со стандартной точки зрения, рассмотрите вид сверху или снизу или даже под наклоном.

Нечетные числа лучше

Когда мы составляем наши произведения искусства, мы также должны учитывать количество предметов или элементов, которые мы включаем. Человеческий разум находит баланс в нечетных числах. Наиболее оптимальное число для использования — 3. Это означает, что если вы составляете натюрморт, лучше всего использовать 3 объекта. Это не значит, что мы ограничены тремя объектами. Мы, конечно, можем включить больше, если захотим. Но если мы включим больше, лучше всего будут нечетные числа.

Рассмотрим изображение с двумя объектами.С двумя объектами, кажется, существует своего рода визуальное соревнование между ними. Трудно решить, какая тема будет в центре внимания.

Однако, когда мы включаем третий, два других объекта создают рамку для третьего, что приводит к более сбалансированной композиции.

Заключение

Состав — это не «догадки». Хорошая композиция — это не результат удачи и, конечно же, не от таланта. Речь идет о понимании того, как зритель будет визуально взаимодействовать с тем, что мы создаем, и тщательном планировании.

Мы довольно много здесь рассмотрели. Это большой объем информации, который нужно усвоить. Но если практиковать эти концепции и включать их в свои работы, они постепенно станут интуитивно понятными, и ваши композиции улучшатся.

Элементы композиции в искусстве — Мэрион Бодди-Эванс

Первое, что нужно знать, это то, что элементы композиции — это не то же самое, что элементы искусства, это другая концепция (хотя композиция является одним из элементов искусства). Второе, что нужно знать, — это то, что подразумевается под «составом».Это общее расположение того, что есть на картине, ее предмета и элементов (абстрактное искусство, конечно, не имеет «предмета»).

Цель состоит в том, чтобы привлечь зрителя к картине, его взгляд будет проходить через всю композицию, насладиться пейзажем, прежде чем вернуться к фокусу. Успешная композиция делает это незаметно, а мы этого не осознаем. Анри Матисс в своих Записках художника сказал: «Композиция — это искусство декоративного расположения различных элементов по команде художника, чтобы выразить его чувства.”

Элементами композиции являются, в западном искусстве, обычно считаются: баланс, контраст, фокус, движение, узор, пропорция, ритм и единство.

Весы: Есть ли симметричное или асимметричное расположение? Симметрия может добавить ощущение спокойствия и упорядоченности, а асимметрия — чувство беспокойства и дисбаланса.

Contrast: Являются ли резкие различия в тонах, сильных темных и ярких светах, или они минимальны?

Фокус или акцент: Есть ли точка фокуса, где-то в этом «самом важном месте», где взгляд зрителя в конечном итоге будет останавливаться и отдыхать, а не блуждать вокруг и вокруг.

Движение или движение: Композиция статична или присутствует ощущение движения? Это можно сделать разными способами, в том числе с помощью предлагаемого движения с мягкими краями.

Паттерн: Если вы посмотрите на основные линии и формы, есть ли основная структура, которая приятна или интригует, или она хаотична?

Пропорции: Связаны ли предметы на картине друг с другом, подходят ли они друг другу? Если это реализм, соблюдаются ли правила перспективы, например, находящиеся поблизости вещи крупнее, чем более отдаленные.

Ритм: Найдите ритм, как в музыкальном произведении. Его работа заключается в том, чтобы вести взгляд по композиции. Посмотрите на основные формы, а также на цвет, повторения и отголоски.

Unity: Есть ли в картине что-то, что кажется чужим, что-то сидящее неловко, не на своем месте?

Может показаться, что в каждой картине есть что учесть; через практику он становится более интуитивным. Проверка каждого — это часть самокритики.Если вам сложно вспомнить элементы композиции, вот мнемоника:

Прежде чем рассматривать окончательную оценку, подумайте о том, как рисовать правая сторона.
_{Баланс, Контраст, Фокус, Движение, Паттерн, Пропорция, Ритм и Единство.}

или, возможно,

Прежде чем рассматривать окончательную оценку, подумайте о том, чтобы нарисовать руку стороной вверх.
_{Баланс, Контраст, Фокус, Движение, Паттерн, Пропорция, Ритм и Единство.}

Нравится:

Нравится Загрузка…

4.2: ФОРМАЛЬНЫЙ ИЛИ КРИТИЧЕСКИЙ АНАЛИЗ

Хотя ограничение нашего внимания только описанием формальных элементов произведения искусства на первый взгляд может показаться ограниченным или даже утомительным, тщательное и методичное изучение физических компонентов произведения искусства является важным первым делом. шаг в «расшифровке» его значения. Поэтому полезно начать с самого начала. Есть четыре аспекта формального анализа: описание, анализ, интерпретация, и оценка .Помимо определения этих терминов, мы рассмотрим примеры.

4.2.1 Описание

Что мы можем заметить в произведении искусства с первого взгляда? Он двухмерный или трехмерный? Что такое среда? Какие действия потребовались при его производстве? Насколько велика работа? Какие элементы дизайна использованы в нем?

Начиная с линии: она мягкая или жесткая, зубчатая или прямая, выразительная или механическая? Как линия используется для описания пространства?

Учитывая форму: формы большие или маленькие, с твердыми краями или мягкие? Какая связь между формами? Они соревнуются друг с другом за известность? Какие формы впереди? Какие из них уходят на второй план?

Обозначение массы и объема: если они двухмерные, что означает, если они используются, чтобы создать иллюзию того, что представленные формы имеют вес и занимают место? Если трехмерное, какое пространство занято или заполнено работой? Какая масса работы?

Организация пространства: использует ли художник перспективу? Если да, то какие? Если в работе используется линейная перспектива, где расположены линия горизонта и точка (точки) схода?

О текстуре: как используется текстура? Это фактическая или подразумеваемая текстура?

Что касается цвета: какие цвета используются? Есть ли цветовая гамма? Изображение в целом светлое, среднее или темное?

4.2.2 Анализ

После того, как элементы художественного произведения были идентифицированы, следует ответить на вопросы о том, как эти элементы связаны между собой. Как устроены элементы? Другими словами, как применяются принципы дизайна?

Какие элементы в работе были использованы для создания единства и разнообразия? Как для этого использовались элементы?

Каков масштаб работы? Он больше или меньше того, что он представляет (если он изображает кого-то или что-то)? Пропорциональны ли элементы в произведении?

Работа симметрично или асимметрично сбалансирована?

Что используется в художественном произведении для создания акцента? Где акцентировать внимание? Как в работе передано движение, например, через линию или расположение фигур?

Есть ли в произведении элементы, создающие ритм? Повторяются ли какие-либо формы или цвета?

4.2.3 Интерпретация

Интерпретация исходит как от отдельного зрителя, так и от произведения искусства. Это происходит из пересечения того, что объект символизирует для художника, и того, что он означает для зрителя. Он также часто фиксирует, как значение предметов было изменено временем и культурой. Таким образом, интерпретация — это процесс разворачивания. Работа, которая на первый взгляд может показаться значимой для одного, может означать нечто большее при дальнейшем изучении. Так же, как при повторном чтении любимой книги или повторном просмотре любимого фильма, мы часто замечаем то, что не видим при первом просмотре; интерпретации арт-объектов также могут проявляться медленно.Заявления о значении могут быть сделаны, но лучше, если они подкреплены подтверждающими доказательствами. Интерпретации также могут измениться, и одни интерпретации лучше других.

4.2.4 Оценка

Вся эта работа по описанию, анализу и интерпретации выполняется с одной целью: дать оценку произведению искусства. Точно так же, как различаются интерпретации, различаются и оценки. Ваша оценка включает в себя то, что вы узнали о работе во время экзамена, а также то, что вы узнали о работе, о себе и других участниках процесса.Ваша реакция на произведение искусства — важный компонент вашей оценки: что вы чувствуете, когда смотрите на него? И тебе нравится работа? Как и почему вы находите это визуально приятным, в некотором роде тревожным, эмоционально привлекательным?

Оценивать современные произведения искусства труднее, чем произведения, которым сотни или тысячи лет, потому что им еще не вынесен вердикт истории. Музеи полны картин современных художников, которых считали следующим Микеланджело, но которые с тех пор исчезли с передовой культуры.

Лучшее искусство культуры и периода — это произведение, которое воплощает мысль той эпохи, из которой оно происходит. То, что мы думаем о нашей собственной культуре, вероятно, отличается от того, что мы будем думать о ней через столетие. Искусство, которое, по нашему мнению, лучше всего воплощает наше время, может длиться, а может и не продлиться. Со временем наши оценки и суждения о нашем времени могут оказаться не самыми точными. Мы живем в мире, полном искусства, и почти невозможно избежать оценок — возможно, ошибочных — о его ценности.Тем не менее, информированные оценки все еще возможны и полезны даже в краткосрочной перспективе.

4.2.5 Примеры формального анализа

Снежная буря — пароход у устья гавани Дж. М. У. Тернер

Снежная буря — пароход у устья гавани Джозефа Мэллорда Уильям Тернер (1775–1851, Англия) — это хаотичная, атмосферная картина маслом на холсте. (Рисунок 4.1) Во-первых, на уровне описания, темная структура тонущего парохода намекается в центре работы, в то время как густой дым от судна, качающиеся волны и вихрь снега окружают его.Коричневые и серые изогнутые линии создаются длинными мазками сильно нанесенной краски, которые расширяются к краям композиции. Во-вторых, на уровне анализа отметим, что нанесение краски, тяжелое, с длинными мазками, добавляет изображению резкое движение. Мы видим, что дизайнерский принцип масштаба и пропорции используется в небольшом размере парохода по отношению к общему полотну. Теперь давайте интерпретируем эти элементы и их взаимосвязь: художник подчеркнул водоворот моря, снега и ветра.Проблеск голубого неба сквозь дым и снег над судном — единственное указание на пространство за пределами этой захватывающей сцены опасности, и это единственное место, где глаза зрителя могут отдохнуть от шума. Это сцена борьбы человечества за выживание против могущественных сил природы. И наконец, мы готовы дать оценку этой работе. Является ли это мощным напоминанием о преходящей природе нашего ограниченного существования, возможно, memento morii? Или это мудрое предупреждение о пределах нашей человеческой силы управлять своей судьбой? Обладает ли работа достаточной силой и ценностью, чтобы мы ее приняли как значительную? Вердикт истории говорит нам, что это так.J.M.W. Тернер считается выдающимся художником своего времени, и эта работа, как считается, подтверждает этот вердикт. В конце концов, однако, каждый из нас может принять или отвергнуть этот исторический вердикт по своим собственным причинам. Мы можем бояться моря. Мы можем отвергнуть использование технологий как отважно героическое. Мы можем рассматривать британский колониальный период как период угнетения и тирании, а эту работу — как иллюстрацию высокомерия того времени. Что бы мы ни сделали, это произведение искусства является катализатором этого важного диалога.

Еще один пример формального анализа. Рассмотрим Lady at the Tea Table Мэри Кассат Мэри Кассат (1844-1925, США, жила во Франции) наиболее известна своими картинами, рисунками и гравюрами с изображением матерей и детей. В этих работах она сосредоточила внимание на связи между ними, а также на силе и достоинстве женщин в рамках преимущественно домашних и материнских ролей, которые они играли в девятнадцатом веке.

Дама за чайным столиком представляет собой изображение женщины в более поздний период ее жизни и передает чувство спокойной власти, которое матриарх удерживал в доме.(Рис. 4.2) Во-первых, описание элементов, использованных в этой работе: белый цвет стены позади женщины и скатерть перед ней создают сильный контраст с черным цветом ее одежды и синим цветом чайного сервиза. Золотая рамка произведения искусства на стене, золотые кольца на ее пальцах и золотые полосы на фарфоре связывают эти три основных элемента картины. Анализ показывает, что принцип разнообразия используется в прямоугольниках за головой женщины, а также в многочисленных кругах и дугах отдельных частей чайного сервиза.Композиция представляет собой устойчивый треугольник, образованный головой и телом женщины и простирающийся до фарфоровых изделий, которые покрывают передний план от одного края композиции до другого. Давайте интерпретируем эти наблюдения. Мало свидетельств движения в работе, кроме предположения о том, что рука женщины, лежащая на ручке чайника, может скоро двинуться. Ее взгляд, направленный от зрителя за пределы рамки картины, подразумевает, что она наливает чай, но ее неподвижность предполагает, что она потерялась в мыслях.Как оценить эту работу? В трактовке этой темы художница выражает сдержанную, но мощную силу характера. Является ли отсутствие очевидного движения в работе комментарием к появлению роли женщин в обществе, надеждой или требованием перемен? Или это памятник спокойному достоинству домашней жизни Парижа викторианской эпохи? Золото рамы, колец и фарфоровой посуды, кажется, объединяет три разрозненных объекта в одно ценностное заявление. Символизируют ли они искусство, верность и служение? Это комментарий к ограничениям французского домашнего общества или претензия на его силу? Одним из показателей качества произведения искусства является его способность вызывать множество интерпретаций.Это открытое и поэтическое богатство — одна из причин, почему работа Мэри Кассат считается важной. Приведенные выше примеры — лишь один из многих способов интерпретации и оценки произведений искусства. Мы рассмотрим еще несколько подходов к анализу и критике. Смысл этого упражнения состоит в том, чтобы вооружить заинтересованного ученика инструментами, которые позволят более полно осознать динамику и содержание произведений искусства не только в музеях и учебниках, но и в мире изображений, который постоянно окружает нас сегодня.

Композиция в искусстве: определение и элементы — видео и стенограмма урока

Элементы искусства

Композицию можно разделить на две категории обсуждения. Первая категория — это элементов искусства . Элементы — это отдельные компоненты произведения искусства. Это то, что составляет основу эстетического или общего визуального эффекта искусства. В композиции мы ищем восемь основных элементов.

Первая линия.Звучит просто, но мы смотрим не только на то, есть ли в композиции линии. Размер, направление, толщина, темнота, вес и текстура линий могут радикально изменить внешний вид искусства. Следующий элемент — форма. Опять же, нам нужно описать формы, встречающиеся во всей композиции, будь то двухмерные или трехмерные. В-третьих, мы можем искать объем или массу, которые являются реальным или предполагаемым весом форм или объектов. В-четвертых, мы можем посмотреть на цвет.Какие цвета выделяются? Они теплые, прохладные и похожие друг на друга или разные? В-пятых, мы смотрим на текстуру. Являются ли реальные или воспринимаемые текстуры мягкими, твердыми, неровными, гладкими или чем-то средним?

Теперь мы можем перейти к более сложным элементам, начиная со света. Многие произведения искусства меняются под воздействием разных видов света. Просто подумайте о том, как тени движутся по скульптуре в течение дня. В то же время многие картины пытаются передать сущность разных видов света, каждый из которых по-разному влияет на композицию.

Из света мы движемся в космос. Как вещи расположены и расположены в композиции, и если произведение двухмерное, реалистично ли изображена иллюзия пространства?

Напоследок поговорим о времени. Многие произведения искусства, как двухмерные, так и трехмерные, предполагают движение в их позе или направлении. Некоторые кинетические произведения искусства действительно двигаются. Движение подразумевает время, и то, как художник обращается с реальностью времени, может многое рассказать нам об их композиции.

Принципы дизайна

На этом этапе мы рассмотрели элементы искусства, но теперь нам нужно знать, как они взаимодействуют.Это вторая половина композиции. Принципы дизайна описывают расположение и взаимодействие элементов искусства.

Первое, на что нам нужно обратить внимание, — это уникальность предметов и форм. В принципе, существует ли повторение (повторение формы), паттерн (повторяющееся расположение форм) или ритм (паттерны с небольшими вариациями)?

Эти вопросы могут привести нас также к другим принципам дизайна, таким как баланс , или стабильность композиции.В основном картина симметрична или асимметрична? Наша способность ответить на этот вопрос может зависеть от масштаба объектов. Что больше, что меньше и как различные размеры фигур или фигур влияют на искусство? Представьте себе картину с маленькими горами и крупным человеком. Считаем ли мы, что это гигант или горы находятся дальше?

Все эти элементы и принципы проектирования могут сильно повлиять на принцип акцента. Идея здесь проста: одни вещи в произведении искусства выделяются больше, чем другие.Что подчеркивается, как и что приуменьшается или, как мы говорим в мире искусства, подчиняется?

С этим тесно связано понятие контраста, или различия между различными визуальными элементами. Вся картина темная, или есть очень темные и очень светлые области, которые создают сильный контраст? Все линии толстые и тяжелые, или некоторые тонкие и легкие? Акцент и контраст вместе помогли создать направленную силу , зрительные пути, которые ведут ваш глаз к фокусной точке.Практически все произведения искусства имеют визуальный центр, и эффективное использование направленной силы делает это возможным.

У нас есть последний вопрос, который мы должны задать. Композиция работает? Последний принцип дизайна — единство или чувство гармонии и завершенности. Большинство произведений искусства стремятся к чувству единства, но стоит отметить, что несколько великих шедевров намеренно оставлены без единства. Разнообразие (художественный термин для обозначения отсутствия единства) больше, что может сделать произведение напряженным, незавершенным или сломанным.Это может быть сильнейшей эмоцией, и мы должны проанализировать выбор художника и раскрыть смысл произведения искусства. К счастью, с нашими элементами искусства и принципами дизайна мы готовы к этому обсуждению.

Резюме урока

Анализируя произведение искусства, мы всегда начинаем с обсуждения композиции или физических качеств произведения искусства. Сама композиция состоит из двух предметов: элементов искусства и принципов дизайна. Элементы произведения искусства или отдельные компоненты произведения искусства.Восемь основных элементов:

1. Строка
2. Форма
3. Объем или масса
4. Цвет
5. Текстура
6. Свет
7. Космос
8. Время

Взаимодействие и расположение элементов определяют принципы дизайна , которые включают повторение / узор / ритм, баланс, масштаб, контраст, акцент, направленную силу и единство.

Может показаться, что многому нужно научиться, но искусство действительно является его собственным языком, и есть что обсудить.Говорите.

Эссе по рисованию слов

Эссе по рисованию слов ¹

Любая значимая попытка оценить вокальное музыкальное произведение должна начинаться с текста, если он есть. ² Слушатель, аналитик, критик и исполнитель — все должны взять текст в качестве отправной точки по той простой и очевидной причине, что , был тем местом, где почти всегда начинался композитор . Это изречение в равной степени применимо к сольным и хоровым произведениям, старой и новой музыке, ничто не умаляется несколькими заметными исключениями.Сейчас считается само собой разумеющимся, что анализ вокального произведения должен хотя бы частично учитывать текст, который обеспечивал его raison d’être и формировал большую часть структуры и поверхности музыки. Однако такие отчеты редко бывают более чем поверхностными. В субъективном тумане, который обычно скрывает их, мы упускаем из виду некоторые центральные проблемы. Во-первых, влияние текста никогда не воспринималось всерьез как одна из основных задач любого действительно полного анализа. ³ Во-вторых, пока мы не напишем историю влияния текста на музыку, мы не сможем написать действительно исчерпывающую историю музыкального стиля.Более того, мы никогда не придем к подлинному пониманию обширной вокальной литературы, простирающейся от Жоскена до Баха, без полного понимания одного из наиболее важных классов влияния текста, а именно рисования слов.

Разнообразие способов, которыми слова могут влиять на музыку, можно объединить в удивительно симметричный массив (рис. 1).

Рисунок 1. Классификация текстовых влияний

В этой классификации словесная живопись представляет собой только вариант одного из восьми основных поверхностных эффектов (ритмический, фонетический, формальный, риторический, драматический, лирический, символический, изобразительный).Эти эффекты редко возникают изолированно, но взаимодействуют в сложных и часто изменяющихся отношениях, которые обязательно подавляются на диаграмме. Хотя этот регулярно разветвляющийся набор может показаться особенно убедительным, он не отображает какой-то неизбежный факт природы, а просто один из способов взглянуть на набор гибких композиционных практик. Систематический характер массива скорее присущ нашему складу ума и языку. По этой причине кажется разумным прояснить ситуацию, взглянув на некоторые из наших предположений.

Шум — это нежелательный звук, давайте с самого начала избавимся от него. Музыка — это звук, организованный человеком, но намеренно организованный в узнаваемую эстетическую сущность. Звук состоит не более чем из кратковременных возмущений окружающего воздуха: быстрых, мельчайших изменений давления, сумма которых равна нулю и которые вносят вклад только в энтропию Вселенной. Исходя из этого, можно легко возразить, что музыка на самом деле есть ничто, и мы будем протестовать, что одни вещи более желательны, чем другие.

Конечно, никто не воспринимает этот парадокс всерьез; но парадокс по праву служит нашей отправной точкой. Несмотря на усилия, приложенные здесь для систематического рассмотрения этого предмета, читатель, ищущий неизменные принципы, из которых можно сделать неопровержимые выводы, не найдет большого удовлетворения в дальнейшем. Все в музыке утверждают, что такая строгость иллюзорна, и только музыкант с очень ограниченным опытом может серьезно ее преследовать. Тем не менее, музыкальное образование требует, по крайней мере, некоторой степени постоянства как одного из необходимых условий.Я попытаюсь согласовать это требование с нашей зачастую безнадежно парадоксальной темой.

Давайте продолжим парадокс. Мы определяем словесную живопись как представление с помощью чисто музыкальных (звучных) средств некоторого объекта, деятельности или идеи, лежащих вне области самой музыки. Но сама музыка (как мы «показали») физически почти ничто; следовательно, он действительно ничего не может представлять. Музыка существует прежде всего в эстетическом плане. Он представляет себя. Если он передает что-то большее, чем навязчивые подергивания и примитивные крики, он делает это по некоторому культурному соглашению, возможно, по некоторому соглашению, менее точному, чем соглашение языка; но, как и язык, этноцентричный и постоянно развивающийся.

Язык даже вобрал в себя одну музыкальную условность настолько полно, что мы должны напоминать себе, что это чисто искусственно; в этом ничего нет. Говорите, пишите, как бы мы ни рассуждали о «высоких» и «низких» нотах в музыке, ничто не оправдывает эти прилагательные. Все ноты, издаваемые одним и тем же источником, высокие или низкие, исходят из одной точки (для всех практических целей) и излучаются в одном и том же воздухе. Они не различаются своим расположением в физическом пространстве — если только мы не решим придраться к тому, что верхние струны фортепиано лежат справа от нижних.У нот нет высоты. Наша упрямая вера в «высокие ноты» и «низкие ноты» как естественные и рациональные выражения перед лицом реальности просто подчеркивает этноцентричность нашей условности. Музыканты классической Греции — культуры, которая, вероятно, более одержима рациональностью, чем любая другая в письменной истории, — смотрели на вещи с другой стороны. Наши «высокие» ноты были их «низкими» нотами; их масштаб был противоположен нашему. ⁴ И не без субъективной двусмысленности.В конце концов, когда играли на лире, разве струна с большей частотой (наша более высокая нота) не лежала ближе к земле? Современный гитарист, играющий с такой же конфигурацией, вполне может задаться вопросом, не нашли ли греки лучшего слова для этого в конце концов.

Хорошо это или плохо, но наши музыкальные традиции принадлежат не классической Греции, а северным варварам. Наиболее важный феномен во всей истории западной музыки сформировался, вероятно, в 9 веке, когда франкские музыкальные писцы начали различать звуки, которые они уже называли «высокими» и «низкими», посредством какого-то вертикального различия между их звуками. выравнивания на странице. ⁵ Из этого семени, уже очевидного в некоторых приемах анонимной Musica enchiriadis , ⁶ , произошли нотации plainchant и Девятая симфония . А все потому, что Карл Великий, неграмотный, хотел, чтобы все его подданные шли к одному и тому же барабанщику (или, по крайней мере, к одной и той же музыкальной литургии). Он не мог понять, почему писцы могли записывать его слова, но не музыку, которую он слышал. ⁷

Скачок от каролингских новшеств к английскому мадригалу может показаться хронологически огромным, но концептуально он не так велик.Таким образом, когда Джон Беннет в своем популярном «Плачу , О мои глаза» , ⁸ доходит до строк: «О, когда, О, когда ты начнешь / набухать так высоко, что я могу утопить себя в тебе?» все партии достигают своей местной высшей точки на слове «высокий» (их самые высокие ноты в пьесе для всех, кроме сопрано), а затем опускаются вниз до слова «утонуть». Сочинения Беннета кажутся настолько простыми и естественно выразительными, что никто не осудит его обращение как маньеризм или клише. И все же это одно из двух приемов, которые легче всего приходят в голову при упоминании всеобъемлющего термина «мадригализм».»На протяжении XVI, XVII и XVIII веков применение высоких нот к словам, относящимся к высоте или высотам (небо, небо и т. Д.), И нижним нотам к противоположным значениям, стало почти неизбежным в мессе, мотете, мадригале, гимне. , лютневая песня и опера. Практически неограниченное количество примеров свидетельствует о преобладании этой привычки, которую мы можем обозначить как Директивная конвенция.

Наверняка ни один композитор эпохи барокко не мог составить детский раунд «Греби, греби, плавно греби своей лодкой по ручью» на восходящую мелодию! Но наши музыкальные инстинкты в отношении того, что кажется естественным и рациональным, терпят еще один удар, когда мы ищем ранние примеры этой предположительно неизбежной направленной условности.Кажется, он не уходит дальше прогрессивных композиторов поколения Josquin. В массах более ранних или более консервативных композиторов, как правило, ascendit, извиваются вниз, а спускаются, прыгают вверх, в то время как caeli et terra меняют свои «высоты» с регулярностью, граничащей с извращенностью. Слово «извращенность» может показаться немного резким, если вспомнить, что в 15 веке «высокая музыка» понималась как громкая, уличная музыка, а «тихая музыка» — как более мягкая камерная музыка.Тем не менее, кажущееся безразличие таких важных композиторов, как Дюфай, Оккегем и Обрехт, к столь «естественным и рациональным» условностям ставит нас лицом к лицу с серьезной проблемой в изучении словесной живописи: как мы можем распознать истинное слово картина? Иными словами, как мы можем отличить намеченную музыкальную реализацию текста от нашего собственного воображаемого прочтения, навязываемого случайно соответствующей музыке? Мы не можем сделать это с полной уверенностью, но мы должны попытаться разрешить такие вопросы вне разумных сомнений, если мы надеемся когда-либо написать историю одной из главных выразительных и организующих черт стиля Возрождения и Барокко. ⁹ Следовательно, кажется желательным принять во внимание некоторые нынешние опасности, с которыми сталкивается любое изучение словесной живописи.

Первое лежит внутри нас как аналитиков. Несмотря на то, что мы знаем лучше, мы ищем правила, законы, непоколебимые принципы в надежде, что они могут привести нас к объяснению музыкальных феноменов, в то время как мы склонны отвергать те случайные практические правила, в которых есть хоть малейший намек на непоследовательность. Независимо от того, существуют ли последовательные законы для других музыкальных практик, они не существуют для рисования слов.Это не зависит от однозначных соглашений, для которых мы можем составить словарь определений. Даже самый обычный жест может иметь много возможных интерпретаций или вообще не интерпретироваться. Например, хроматизм (другой прием, который чаще всего ассоциируется с термином мадригализм) часто выражает очень болезненные эмоции. Тем не менее, независимо от того, насколько широко распространено использование хроматизма, различные сильно хроматические клавиатурные части, названные Consonanze stravaganti Джованни де Макке, ¹⁰ Джоанпьетро дель Буоно, ¹¹ и Джованни Мария Трабаччи ¹² , определенно ничего не значили. за гранью изобилия хроматического эксперимента. ¹³ Таким образом, рисование слов — это не какой-то «код», который «объясняет» музыкальное произведение. В лучшем случае, когда мы понимаем условности, выбранные композитором, это позволяет нам взглянуть на то, как он читает свой текст — немалый выигрыш, учитывая культурный разрыв, который отделяет нас от его стиля.

От эпохи романтизма мы унаследовали еще одну внутреннюю опасность. Романтики превратили музыку в почти священное занятие, а композиторов — в полубогов, которые славно оправдали свое возвышение, тогда как их музыкальные предки достигли не меньшей славы как преданные мастера.Романтики дали нам представление о том, что только чисто вдохновенное музыкальное творчество — каким бы оно ни было — достойно восхищения избранных; что по сравнению с абстрактно задуманными композициями буквальная словесная живопись должна казаться чем-то неполноценной. Под этим устрашающим влиянием Берлиозу стало стыдно за программу своей Фантастической симфонии и он стал первым голосом того хора, который продолжает побуждать нас закрывать уши до половины его эмоций. Программа и музыка несовместимы; они питают друг друга.Даже если композитор эпохи Возрождения должен был «перевести» свой текст в музыку, его успех зависел от музыкальных достоинств его произведений, а не от буквальности его перевода. Буквальность не обязательно — да и случается редко — мешает музыкальности результатов. Подобно тому, как прекрасная соната всегда должна превосходить простые учебные банальности, успешный музыкальный дискурс всегда должен превосходить ту риторическую изобретательность, которая может формировать ее субструктуру или оживлять ее поверхность. Буквальность некоторых из этих деталей пробуждает скрытое беспокойство у тех, кто безосновательно боится их как узурпатора подлинных музыкальных ценностей.Тем не менее, нам, пришедшим после, было бы неблагоразумно отвергать его ключи к лучшему пониманию произведений прошлого. Такие угрызения совести не беспокоят мир рока, где претенциозные неграмотные музыканты распространяют «музыкальное послание» некоторого числа в соответствии с его словами, его костюмами, его усилителями и сценическим безумием его исполнителей. Каким бы доходным ни было такое сочинение, оно служит здесь лишь для того, чтобы напомнить нам, что в поисках подлинных музыкальных ценностей мы должны избегать поиска неправильных.Мы должны принять словесную живопись как фактор, который способствует музыкальной ценности, но не заменяет и не может ее заменить.

Еще одно предостережение: ничто не обязывает композитора быть последовательным. Тогда, как и сейчас, ничто не требовало от него обработки одного и того же топоса одним и тем же способом от фрагмента к фрагменту или даже внутри одного фрагмента, если он повторяется. Тем не менее, мы не можем анахронично представить его утомленным каким-то конкретным использованием. («О, я сделал это однажды; мне скучно делать это снова!») Композитор-мастер прошлого более практично относился к техникам, которым его научили или выучил сам.Мы можем увидеть, как он применял некоторые из своих приемов, но поскольку мы еще не знаем, на каком основании он выбрал один из своих вариантов, мы можем восхищаться его работой по неправильным причинам. То, что мы воспринимаем как пригодность, его современники могли принять как условность; там, где мы восхищаемся изобретательностью, его столь же восхищенные коллеги, возможно, одобрили его характерную реакцию на значение текста. Мы не можем надеяться полностью оценить его работу до тех пор, пока не поймем, какие варианты выбора были ему доступны.Некоторые решения были приняты за него внешней историей пьесы: поводом, предпочтениями его покровителя, доступными силами и т. Д. В рамках этих или подобных ограничений он должен был смотреть на свой текст не очень иначе, чем в опере композитор смотрит на либретто: как на основную часть композиции, но всегда допускающую некоторую степень корректировки. Композитор может изменять структуру своего текста несколькими способами: он может повторять единицы, он может объединять отдельные текстовые единицы в единую музыкальную единицу, он может разбивать единицу текста на две или более музыкальных единицы.По мере продвижения он должен решить на каждом этапе, какую конкретную комбинацию голосов он назначит каждому слову и фразе текста, с какой степенью заметности и акцента, какую структуру, какой баланс и какую конкретную комбинацию музыкальных приемов — из каких слово «живопись» — это всего лишь одно. Мелодия, ритм и гармония, поверхностные особенности музыки, должны возникать из этого сложного фона предварительных условий — или, возможно, лучше: сосуществующих идей, — часто усложненных ранее существовавшими материалами cantus firmus, перефразируя , или пародия.Написание слов — это одно из наиболее заметных взаимоотношений текста и музыки, которое, как мы можем разумно ожидать, поможет нам разобраться в этом сумбре предварительных условий.

Приведенные выше замечания подразумевают еще одно предостережение: даже в работах самых доктринерских мадригалистов словесная живопись не вездесуща. Наличие текста побуждает композитора ответить на него, но композитор — будь то Окегем или Стравинский — может проигнорировать его. Нам нужно знать, какие элементы в тексте побуждают композитора подчинять его музыку, но нам также нужно знать природу музыкальных ситуаций, которые заставляют его отвергать привлекательность текста.Такие вопросы потребуют многолетнего внимания со стороны многих ученых. ¹⁴

Контекст, в котором мы находим прием рисования слов, поднимает другой вопрос. В тексте, который содержит слова «высокий» и «низкий», мы обычно ожидаем услышать их спетыми на относительно высоких и низких нотах соответственно. Обычно это происходит при обычном рисовании слов, но не всегда. Давайте построим гипотетический пример, используя текст «он бегал, глядя высоко, а бегал, глядя низко», спел все на одной повторяющейся ноте, за исключением слова «смотрящий», которое звучит на треть выше, чем повторяющаяся нота в первая половина строки и четвертая ниже, чем повторяющаяся нота во втором ее появлении.Если бы стиль остальной части пьесы не противоречил нам, мы бы пришли к выводу (вероятно, правильно), что композитор имел текстовую мотивацию для формы своей линии. Близость скачков вверх и вниз к словам параллельных образов, кажется, связывает их с этими значениями. Но что произойдет, если мы увеличим расстояние, сделав прыжки на «бег» вместо «взгляда»? Или, продвигаясь дальше, предположим, что каждая половина строки установлена ​​только на одну ноту, причем первая на пятую выше, чем вторая? на треть выше? на ступеньку выше? Возможно, нам не составит труда распознать изобразительный замысел в каждом из этих примеров, в зависимости от контекста, в котором мы их находим.Это предубеждение «высокий-низкий» в конечном итоге становится настолько сильным, что, даже если композитор избегает рисования слов, чтобы сместить акцент на другую точку текста, я считаю, что мы часто можем обнаружить нежелание ставить такие слова, как caeli et terra , в перевернутых положениях. . Terra может находиться только на ступеньку ниже или даже на ту же ступеньку, но редко выше, чем caeli .

Приведем еще один искусственный пример из текста: «Я поднимаюсь на небо, чтобы упасть на землю» — рутинная работа для опытного рисовальщика.Он, вероятно, будет искать подходящие мелодии, поднимаясь при «восхождении» до пика «небо» и спускаясь «при падении», чтобы достичь нижней точки на «земле». Но предположим, что строчка гласила: «В небеса поднимаюсь, на землю падаю»? Попытка сопоставить значения четырех ключевых слов, хотя и не невозможная, могла привести композитора к неудобным конструкциям. Столкнувшись с такой проблемой, композитор мог бы настроить эту новую версию нашего текста на тот же тип музыки, что и наша первая версия, даже если это означало бы оставить «небеса» на нижнем конце его восходящего бега, а «землю» на нижнем. верхний конец его нисходящего пробега.Здесь опять же контекст позволяет разуму прочесть изобразительный замысел в отрывке: движение вверх по-прежнему украшает восходящее изображение, движение вниз задает нисходящее изображение, а локальные расхождения в положениях «неба» и «земли» теряют свое значение для более широкий контекст. Очевидно, что такие интерпретации могут выходить за рамки разумного; Например, когда Окегем устанавливает каждое существительное caeli et terra с движениями вверх и вниз (как в Sanctus его Missa Mi-mi ), ¹⁵ , мы не имеем права обозначать соответствующие движения как живописные и просто отбросьте неудобные.Более того, массы Оккегема, взятые вместе, не дают убедительных свидетельств живописной озабоченности. Даже с учетом неопределенностей в основе источников, преобладание свидетельств выступает против графической интерпретации.

Чтобы лучше понять формальный анализ, давайте рассмотрим пример. Ниже представлена ​​мраморная скульптура «Аполлон и Дафна» итальянского художника Джанлоренцо Бернини. Скульптура изображает момент, когда нимфа Дафна превращается в лавровое дерево, чтобы спастись от влюбленного в нее бога Аполлона.

Здесь можно рассмотреть различные характеристики, но наиболее заметными из них являются использование линии и направленности. Эти характеристики позволяют зрителю не только полностью оценить повествование, которое представляет произведение, но также придают произведению ощущение хаотического и динамичного движения, присущего самой истории.

Линии передают историю и создают восходящее действие

Во-первых, одна из наиболее заметных особенностей скульптуры — это то, как большинство линий образуют кривую, ведущую взгляд из нижнего левого угла (ноги Аполлона) в верхний правый (у Дафны). Руки). Линии плавные, извилистые и нежные. Но то, что завершают эти строки, — это удачный пересказ истории. Согласно мифу, Аполлон гнался за Дафной, когда та молилась своему отцу, богу реки, спасти ее.Затем она стала деревом незадолго до того, как Аполлон догнал его.

Восходящая кривая, которую образуют линии, позволяет зрителю сначала увидеть Аполлона, затем Дафну-человека и, наконец, первые части Дафны, превратившиеся в дерево. Строки, таким образом, помогают рассказать историю в хронологическом порядке, потому что мы видим (а) Аполлон, преследующий Дафну, (б) Дафну, убегающую от него, и (в) Дафну, превращающуюся в дерево. Кроме того, восходящая кривая помогает создать ощущение восходящего движения, в отличие от нисходящей линии, которая больше связана с падающим действием.

Направление передает движение

Во-вторых, направленность работы также помогает в передаче движения. Обратите внимание, как правая нога Аполлона стоит на земле и слегка согнута, как будто она принимает на себя вес его тела. Его левая нога, с другой стороны, находится позади него и висит в воздухе. Таким образом, вес Аполлона распределяется неравномерно, поскольку он принимает положение бегущего человека, и это создает ощущение, что он движется.

Точно так же и центр тяжести Дафны странный, несмотря на то, что она занимает более статичное положение. Кажется, она наклоняется вперед, и единственное, что мешает ей опрокинуться, — это кора дерева, покрывающая ее ноги. Сверху волосы Дафны расплываются, как будто она внезапно повернула голову. И, наконец, за ним вздымается накидка Аполлона. Контрастные направления тел и других частей скульптуры объединяются, чтобы создать ощущение движения, которое, в свою очередь, придает работе ощущение действия и беспорядка.

Совет для написания статей об искусстве

Хотя приведенное выше является частичным примером формального анализа, оно должно дать вам некоторое представление о том, как проводить формальный анализ. Писать об искусстве не так-то просто, но этот процесс станет проще, если вы изучите основы художественного анализа.Изучение элементов искусства, а также принципов дизайна послужат вашими строительными блоками. Со временем вы научитесь не только описывать искусство, но и понимать, как оно влияет на вас.

Художественная терминология — глоссарий — ModernArts

РЕФЕРАТ

Нереалистично, хотя намерение часто основывается на реальном предмете, месте или чувстве. Чистую абстракцию можно интерпретировать как любое искусство, в котором полностью отказались от изображения реальных объектов и эстетическое содержание которого выражается в формальном узоре или структуре форм, линий и цветов.Когда изображение реальных объектов полностью отсутствует, такое искусство можно назвать беспредметным.

АБСТРАКТНЫЙ ЭКСПРЕССИОНИЗМ

Нью-йоркское движение живописи 1940-х годов на основе абстрактного искусства. Этот тип живописи часто называют живописью действия.

ACCENT

Особое внимание уделяется определенным элементам картины, что заставляет их привлекать больше внимания. Детали, определяющие объект или произведение искусства.

АКРИЛОВЫЙ

Быстросохнущая краска, легко удаляемая уайт-спиритом; пластичное вещество, обычно используемое в качестве связующего для красок.

ЖИВОПИСЬ

Любой стиль рисования, требующий больших физических нагрузок; в частности, абстрактный экспрессионизм. Примеры включают движение искусства Нью-Йоркской школы и работы Джексона Поллока.

АЭРИАЛЬНАЯ ПЕРСПЕКТИВА

Захват атмосферы Земли с помощью техники рисования, при которой далекие объекты кажутся менее яркими, текстурными и различимыми.

ЭСТЕТИКА

Относится к прекрасному в отличие от полезного, научного или эмоционального.Эстетический отклик — это признание такой красоты.

ALKYD

Синтетическая смола, используемая в красках и средах. Как среда действует как связующее, которое инкапсулирует пигмент и ускоряет время высыхания.

ALLA PRIMA

Техника, при которой окончательная обработка поверхности картины выполняется за один присест, без подкраски. Итальянский для «у первых».

АНАЛОГОВЫЕ ЦВЕТА

Цвета, которые тесно связаны или находятся рядом друг с другом в цветовом спектре.Особенно те, в которых мы видим общие оттенки.

AQUATINT

Отпечаток, полученный по той же технологии, что и травление, за исключением того, что области между протравленными линиями покрыты порошковой смолой, которая защищает поверхность от процесса прикусывания в кислотной ванне. Гранулированный внешний вид, который дает отпечаток, приближает эффекты и оттенки серого к акварельному рисунку.

АРХИВ

Относится к материалам, которые соответствуют определенным критериям стойкости, таким как отсутствие лигнина, нейтральный pH, щелочной буфер, стабильность на свету и т. Д.

АРМАТУРА

Жесткий каркас, часто из дерева или стали, используемый для поддержки скульптуры или другой большой работы во время ее изготовления.

ART DECO

Художественный стиль 1920-1930-х годов, основанный на современных материалах (сталь, хром, стекло). Стиль, характеризующийся повторяющимися геометрическими узорами из кривых и линий.

ART NOUVEAU

Художественный стиль конца 1800-х годов с изогнутыми, часто закрученными формами, основанными на органических формах.

ДОКАЗАТЕЛЬСТВО ХУДОЖНИКА

Доказательство художника не входит в стандартное издание. По обычаю, художник сохраняет A / P для личного использования или продажи.

СБОРКА

Техника создания скульптуры путем соединения отдельных частей или сегментов, иногда «найденных» объектов, которые изначально служили другой цели.

ATELIER

Французское название «мастерская художника».»

ATMOSPHERIC PERSPECTIVE

Устройство для демонстрации трехмерной глубины на двухмерной поверхности. Формы, которые должны восприниматься как удаленные от зрителя, размыты, нечеткие, туманные и часто более голубые.

AVANT-GARDE

Группа, активно занимающаяся изобретением и применением новых идей и методов оригинальным или экспериментальным способом. Группу практиков и / или сторонников нового вида искусства также можно назвать авангардом.Некоторые авангардные работы призваны шокировать тех, кто привык к традиционным, устоявшимся стилям.

БАРОККО

Театральный стиль, обычно связанный с европейским искусством и архитектурой ок. 1550-1750 гг., Характеризовался большим количеством орнаментов и скорее изогнутыми, чем прямыми линиями; ярко богато украшенный.

БАРЕЛЬЕФ

Скульптура, в которой фигуры лишь слегка выступают из фона, как на монете. Также известна как барельефная скульптура.

BAUHAUS

Школа дизайна, основанная Вальтером Гропиусом в 1919 году в Германии. Баухаус попытался достичь примирения между эстетикой дизайна и коммерческими требованиями массового промышленного производства. Художники: Клее, Кандинский и Фейнингер.

BEAUX-ARTS

Школа изящных искусств в Париже, которая подчеркнула необходимость академической живописи.

BINDER

Вещество в красках, которое заставляет частицы пигмента прилипать друг к другу и к подложке

, такой как масло или акрил.

БРОНЗА

Сплав меди и олова, иногда содержащий в небольших количествах другие элементы, такие как цинк или фосфор. Он прочнее, тверже и долговечнее, чем латунь, и с древних времен наиболее широко использовался для литой скульптуры. Бронзовые сплавы различаются по цвету от серебристого до насыщенного медно-красного цвета. Стандартная бронза США состоит из 90% меди, 7% олова и 3% цинка.

BRUSHWORK

Характерный способ, которым каждый художник наносит краску на основу.

ПОЛИРОВКА

Процесс протирания зелени (глины) любым гладким инструментом для полировки и уплотнения поверхности.

КАЛЛИГРАФИЯ

При печати и рисовании свободное и ритмичное использование линий для подчеркивания дизайна. Лучше всего это видно на японских гравюрах на дереве и китайских свитках. Также тонкий стилизованный почерк с использованием перьев, кистей или ручек с тушью.

КАНВАС

Ткань плотного плетения, используемая в качестве основы для картин.

МУЛЬТФИЛЬТ

1. Простой рисунок с юмористическим или сатирическим содержанием.

2. Предварительный чертеж любой большой работы, такой как фреска или гобелен.

ЛИТЬЕ

Процесс изготовления скульптуры или другого объекта путем заливки жидкого материала, такого как глина, металл или пластик, в форму и ее затвердевания, тем самым принимая форму ограничивающей формы.

КЕРАМИКА

Искусство изготовления предметов из глины и обжига их в печи.Изделия из фаянса и фарфора, а также скульптура изготавливаются керамистами. Эмаль — это тоже керамическая техника. Керамические материалы могут быть декорированы шликером, ангобом, глазурью, нанесены любым количеством техник. Скульптура обычно изготавливается катушкой, плиткой или другой ручной техникой.

CHIAROSCURO

В рисунке, живописи и графике светотень (ke-ära-skooro) относится к передаче форм посредством сбалансированного контраста между светлыми и темными областями.Техника, которая была представлена ​​в эпоху Возрождения, эффективна для создания иллюзии глубины и пространства вокруг основных фигур в композиции. Леонардо да Винчи и Рембрандт были художниками, которые преуспели в использовании этой техники.

КЛАССИЧЕСКИЙ СТИЛЬ

В греческом искусстве стиль V века до нашей эры. В широком смысле термин «классический» часто применяется ко всему искусству Древней Греции и Рима, а также к любому искусству, основанному на логических, рациональных принципах и продуманной композиции.

ОБРАБОТКА

Способ формования керамических изделий или скульптур из рулонов глины, которые сглаживаются вместе, образуя стороны кувшина или горшка.

КОЛЛАЖ

Произведение искусства, созданное путем наклеивания различных материалов, таких как кусочки бумаги, ткани и т. Д., На лист бумаги, картон или холст.

ЖИВОПИСЬ ЦВЕТНЫХ ПОЛЕЙ

Стиль живописи, известный с 1950-х по 1970-е годы, с большими «полями» или областями цвета, призванный вызвать эстетический или эмоциональный отклик только с помощью цвета.

ЦВЕТНОЕ КОЛЕСО

Круглая сетка, представляющая цвета на основе теории цвета. Эта сетка ясно показывает отношения цветов друг с другом (комплементарные, противоположные и т. Д.).

ДОПОЛНИТЕЛЬНЫЕ ЦВЕТА

Оттенки прямо противоположны друг другу на цветовом круге и поэтому предполагается, что они максимально отличаются друг от друга. При размещении рядом дополнительные цвета усиливаются; при смешивании они дают нейтральный (или серый) цвет.

СОСТАВ

Организация, дизайн или размещение отдельных элементов в произведении искусства. Цель — добиться баланса и соразмерности. Обычно применяется к двухмерному искусству.

КОНЦЕПТУАЛЬНОЕ ИСКУССТВО

Форма искусства, в которой основная идея или концепция и процесс, с помощью которого она достигается, более важны, чем любой материальный продукт.

КОНСТРУКЦИЯ

Произведение искусства, которое фактически собирается или строится в помещении, где оно будет показано.Многие постройки рассчитаны на временный характер и демонтируются по окончании выставки.

CONTE

Изначально это было торговое название марки французских мелков, сделанных из уникального соединения пигментов с меловой связкой. Мелки Conte не содержат смазки, что делает их пригодными для литографических рисунков.

СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО

Обычно определяется как искусство, создаваемое со второй половины двадцатого века.

СОДЕРЖАНИЕ

Сообщение, передаваемое произведением искусства — его предмет и все, что художник надеется передать этим предметом.

КОНТУР

Линия, которая создает границу, отделяющую область пространства или объекта от пространства вокруг него.

CONTRAPPOSTO

Буквально «противовес». Метод изображения человеческой фигуры, особенно в скульптуре, часто достигается путем переноса веса на одну ногу и поворота плеча, чтобы фигура выглядела расслабленной и подвижной.В результате часто получается изящная S-образная кривая.

ПРЕОБРАЗОВАНИЕ

Линии, ведущие к одной и той же точке.

ХОЛОДНЫЕ ЦВЕТА

Те, которые предполагают ощущение прохлады. Синий, Зеленый, Фиолетовый

МАСТЕРСТВО

Способность, навыки и ловкость рук при использовании инструментов и материалов.

КРОССОВКА

Область близко расположенных линий, пересекающих друг друга, используется для создания ощущения трехмерности на плоской поверхности, особенно при рисовании и печати.См. Также штриховка, пунктирная линия.

КУБИЗМ

Стиль искусства, заложенный в начале 20 века Пабло Пикассо и Жоржем Браком. В наиболее развитой форме кубизма формы дробятся на плоскости или геометрические грани, как грани алмаза; эти планы перестроены, чтобы способствовать живописной, но не натуралистической реальности; формы можно рассматривать одновременно с нескольких точек зрения; фигура и фон имеют одинаковое значение; и цвета намеренно ограничены диапазоном нейтральных оттенков.

КРИВОЛИНЕЙНЫЕ

Подчеркивается использование изогнутых линий в отличие от прямолинейных, которые подчеркивают прямые линии.

DADA

Движение, возникшее во время Первой мировой войны в Европе, которое якобы выступало против всего, даже против искусства. Дада подшучивал над всеми устоявшимися традициями и вкусами в искусстве своими произведениями, которые преднамеренно шокировали, вульгарно и бессмысленно.

DECOUPAGE

Акт вырезания бумажных рисунков и их нанесения на поверхность для создания сплошного коллажа.

ДИЗАЙН

Спланированная организация линий, форм, масс, цветов, текстур и пространства в произведении искусства. В двухмерном искусстве это часто называют композицией.

ИСКАЖЕНИЕ

Любое изменение, сделанное художником в размере, положении или общем характере форм на основе визуального восприятия, когда эти формы организованы в графическое изображение. Любая личная или субъективная интерпретация природных форм обязательно должна включать определенную степень искажения.

ДОМИНИРОВАНИЕ

Принцип визуальной организации, который предполагает, что определенные элементы должны иметь большее значение, чем другие в той же композиции. Он способствует органическому единству, подчеркивая тот факт, что есть одна главная черта, а другие элементы ей подчинены.

DRYPOINT

Техника глубокой печати, похожая на гравировку, при которой острая игла используется для рисования на металлической пластине, поднимая тонкий выступ металла, который создает мягкую линию при печати на пластине.Также результирующий print.

DYNAMIC

Дает эффект движения, жизненной силы или энергии.

ЗЕМЛЯ

Керамическая посуда, обычно грубая и красноватого цвета, обожженная при самых низких температурах. Применяется для глазурованной и неглазурованной посуды для дома.

ИЗДАНИЕ

В бронзовой скульптуре и гравюре — количество частей / изображений, изготовленных из одной формы / пластины и утвержденных художником.

ENCAUSTIC

Буквально для прижигания. Техника окраски, при которой пигмент смешивается с расплавленным воском и смолой, а затем наносится на горячую поверхность.

ГРАВИРОВКА

Метод печати, при котором острый инструмент (резец) используется для нанесения линий на твердую поверхность, такую ​​как металл или дерево.

ЭКОЛОГИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО

1. Искусство, достаточно большое, чтобы зрители могли входить и перемещаться.

2. Искусство, предназначенное для демонстрации вне помещений.

3. Искусство, которое действительно преображает природный ландшафт.

ТРАВЛЕНИЕ

Техника воспроизведения рисунка путем покрытия металлической пластины воском и рисования острым инструментом, называемым стилусом, сквозь воск до металла. Пластина помещается в кислотную ванну, которая разъедает надрезанные линии; затем его нагревают для растворения воска и, наконец, наносят чернила и печатают на бумаге.Полученный отпечаток называется травлением.

ЭКСПРЕССИОНИЗМ

Любое искусство, которое подчеркивает эмоциональную и психологическую реакцию художника на предмет, часто с яркими цветами и искажениями формы. В частности, художественный стиль начала 20 века, которого придерживались в основном некоторые немецкие художники.

FAUVISM

Недолговечный стиль живописи во Франции начала 20 века, в котором использовались смелые, противоречивые, произвольные цвета — цвета, не связанные с появлением форм в мире природы.Анри Матисс был самым известным ее практикующим. Слово fauve означает «дикий зверь».

РИСУНОК — ЗЕМЛЯ

В двухмерном искусстве — взаимосвязь между основными формами и фоном. Неоднозначность рисунка и фона предполагает одинаковую важность для обоих.

ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО

Форма искусства, созданная в первую очередь как эстетическое выражение, которым можно наслаждаться ради самого себя. Зритель должен быть готов к поиску замысла художника как важнейшего первого шага к общению и активному участию.

ОБЖИГ

Нагревание керамики или скульптуры в печи или на открытом огне для доведения глины до созревания. Температура, необходимая для созревания глины, зависит от типа тела. Кроме того, можно нагреть глазурованную посуду до необходимой температуры, чтобы глазурь созрела.

FIXATIVE

Раствор, обычно из шеллака и спирта, распыляемый на рисунки, чтобы предотвратить их размазывание или осыпание основы.

НАРОДНОЕ ИСКУССТВО

Первобытное искусство, выполненное неподготовленным художником, который рисует в общих традициях своего сообщества и отражает образ жизни людей.Также называется «Аутсайдерское искусство» и «Арт-брют».

ЗАКРЕПЛЕНИЕ

Метод изображения форм на двумерной поверхности таким образом, что они кажутся выступающими или удаляющимися от плоскости изображения.

ПОВКОВКА

Формовка металла молотками в горячем состоянии; способ изготовления кованого железа.

ФОРМА

1. Внешний вид произведения искусства — его материалы, стиль и композиция.

2. Любая идентифицируемая форма или масса как «геометрическая форма».

FRESCO

Техника окраски, при которой пигменты распыляются в простой воде и наносятся на влажную штукатурку стены. Стена становится связующим звеном, а также опорой.

ФУТУРИЗМ

Художественное движение, основанное в Италии в 1909 году и просуществовавшее всего несколько лет. Футуризм сосредоточен на динамическом качестве современной технологической жизни, подчеркивая скорость и движение.

ЖАНР

Искусство, изображающее случайные моменты повседневной жизни и ее окружения.

ГЕОМЕТРИЧЕСКИЕ ФОРМЫ

Формы, созданные по точному математическому закону.

GESSO

Белый шлифованный материал для подготовки жестких опор под покраску. изготовлен из смеси мела, белого пигмента и клея. То же название применяется к акриловому мелу и пигменту, используемым на гибких и жестких основах.

СТЕКЛО

Очень тонкая прозрачная цветная краска, наносимая на ранее окрашенную поверхность для изменения внешнего вида и цвета поверхности. В керамике на глиняное тело наносится смывка, которая при обжиге при высокой температуре стекловывается с образованием тонкого, обычно окрашенного, слоя стекла.

ГОТИКА

Стиль архитектуры и искусства, преобладавший в Европе с 12 по 15 века. Готическая архитектура отличается остроконечными арками, ребристыми сводами и часто большими витражами.

GOUACHE

Непрозрачная акварель, используемая для иллюстраций.

ЗЕМЛЯ

1. Вещество, наносимое на основу для рисования или рисунка при подготовке к пигментированному материалу.

2. Подготовительное вещество, используемое в качестве покрытия для печатной формы.

3. Фон в произведении двухмерного искусства.

GREENWARE

Необожженная керамика или скульптура.

ЖЕСТКАЯ ЖИВОПИСЬ

Недавнее нововведение, зародившееся в Нью-Йорке и принятое некоторыми современными художниками. Формы изображаются четкими геометрическими линиями и краями.

ГАРМОНИЯ

Единство всех визуальных элементов композиции достигается повторением одних и тех же характеристик.

НАШИВКА

Техника моделирования, указание тона и наведение света и тени при рисовании или темперной живописи с использованием близко расположенных параллельных линий.

HORS COMMERCE

(«До коммерции») традиционно представляли собой скульптуру / графику, использовавшуюся при обычном выпуске, но были отмечены художником только для коммерческого использования. Эти изделия использовались для выставок и конкурсов, но сегодня они, как правило, разрешены к распространению через обычные каналы.

ОТТЕНОК

Воспринимаемый цвет объекта, идентифицируемый по общему имени, например красный, оранжевый, синий.

ИКОНОГРАФИЯ

В общих чертах «история», изображенная в произведении искусства; люди, места, события и другие изображения в произведении, а также символика и условности, связанные с этими изображениями определенной религией или культурой.

ИЛЛЮМИНАЦИЯ

Рисованное украшение или иллюстрация в рукописи, особенно распространенные в средневековом искусстве.

IMPASTO

Густое, сочное нанесение краски на холст или другую основу; подчеркивает текстуру, отличаясь от гладкой ровной поверхности.

ИМПРЕССИОНИЗМ

Техника рисования, в которой художник концентрируется на меняющихся эффектах света и цвета. Часто этот стиль можно характеризовать использованием прерывистых мазков и сильного импасто.

INLAY

В деревообработке — техника, при которой небольшие кусочки дерева, часто разной текстуры и цвета, склеиваются вместе, образуя узор.

ИНТЕНСИВНОСТЬ

Степень чистоты или яркости цвета.Также известен как цветность или насыщенность.

КИНЕТИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО

Кинетическое искусство — это искусство, которое включает движение как часть своего выражения — механически, вручную или под действием природных сил.

ПЕЧЬ

Печь или печь из жаропрочных материалов для обжига керамики, стекла и скульптуры.

ПЕЙЗАЖ

Обобщение для изображения природных пейзажей любым художником.Рисунки и другие предметы должны иметь второстепенное значение по отношению к композиции и второстепенное по отношению к содержанию.

ЛИНИЯ

Отметка, сделанная инструментом при нанесении на поверхность.

ЛИНЕЙНАЯ ПЕРСПЕКТИВА

Метод изображения трехмерной глубины на плоской или двухмерной поверхности. Линейная перспектива имеет два основных правила: 1. Формы, которые должны восприниматься как можно дальше от зрителя, должны быть меньше тех, которые должны восприниматься как можно ближе 2.Уходящие вдаль параллельные линии сходятся в точке на линии горизонта, известной как точка схода.

ЛИТОГРАФИЯ — ЛИТОГРАФ

Процесс печати, при котором поверхность, такая как камень или листовой алюминий, обрабатывается таким образом, чтобы краска прилипала только к тем участкам, которые должны быть напечатаны. Полученное изображение представляет собой литографию или литографический оттиск

LOST WAX

Метод создания восковой формы для скульптуры с последующим нагревом формы для расплавления воска и замены его расплавленным металлом или смолой.(см. нашу страницу на Бронзовое литье ).

МАНИФЕСТ

В искусстве — публичное заявление или изложение в печати теорий и направлений движения. Манифесты, выпущенные отдельными художниками или группами художников в первой половине двадцатого века, служили для раскрытия их мотивов и причин существования и стимулировали поддержку или реакцию против них.

МАННЕРИЗМ

Термин, иногда применяемый к искусству Европы конца XVI — начала XVII веков, для которого характерно драматическое использование пространства и света и тенденция к удлинению фигур.

MAQUETTE

В скульптуре — небольшая модель из воска или глины, сделанная в качестве предварительного эскиза, представленная заказчику для утверждения предлагаемой работы или для участия в конкурсе. Итальянский эквивалент этого термина — bozzetto, что означает небольшой набросок.

МАССА

Трехмерная форма, часто подразумевающая объем, плотность и вес.

МАТОВЫЙ

Плоский, не глянцевый; имеющий тусклый внешний вид.

СРЕДНЕВЕКОВОЕ ИСКУССТВО

Искусство средневековья ок. С 500 г. н.э. по 14 век. Искусство, произведенное непосредственно до эпохи Возрождения.

MEDIUM

1. Материал, используемый для создания произведения искусства. 2. Связующее для краски, например масляное. 3. Выразительный вид искусства, такой как живопись, рисунок или скульптура.

МИНИМАЛИЗМ

Стиль живописи и скульптуры середины 20 века, в котором художественные элементы визуализируются с минимумом линий, форм, а иногда и цвета.Работы могут выглядеть скудными, скудными, ограниченными или пустыми.

СМЕШАННЫЕ МАТЕРИАЛЫ

Описание искусства, в котором используется более одной среды — например, работа, сочетающая в себе краску, природные материалы (дерево, галька, кости) и искусственные предметы (стекло, пластик, металлы). отдельное изображение или произведение искусства.

МОБИЛЬНЫЙ / СТАБИЛЬНЫЙ

Термины, придуманные для описания работ, созданных Александром Колдером. Мобиль представляет собой висящую подвижную скульптуру, и он опирается на землю, но также может иметь движущиеся части.

МОДЕЛИРОВАНИЕ

1. В скульптуре — формирование формы из пластического материала, такого как глина, воск или гипс. 2. В рисовании, живописи или гравюре — иллюзия трехмерности на плоской поверхности, созданная путем имитации эффектов света и тени.

МОНОХРОМАТИЧЕСКИЙ

Имеет только один цвет. Описание работы, в которой преобладает один оттенок — возможно, с вариациями ценности и интенсивности.

МОНОТИП

Единственный в своем роде отпечаток, сделанный путем рисования на листе или пластине стекла и переноса еще влажного рисунка на лист бумаги, который прочно удерживается на стекле, протирая его обратной стороной. бумагу гладким предметом, например большой деревянной ложкой.Роспись также может быть выполнена на полированной пластине, и в этом случае ее можно либо напечатать вручную, либо перенести на бумагу, пропустив пластину и бумагу через травильный пресс.

МОНТАЖ

Картинка, состоящая из других существующих иллюстраций, картинок, фотографий, вырезок из газет и т. Д., Которые скомпонованы так, что они объединяются для создания нового или исходного изображения. Коллаж.

МОЗАИКА

Форма искусства, в которой небольшие кусочки плитки, стекла или камня соединяются вместе и встраиваются в фон для создания узора или изображения.

MURAL

Любая крупномасштабная отделка стен, выполненная в живописи, фреске, мозаике или другом носителе.

МУЗЕЙ

Здание, место или учреждение, предназначенное для приобретения, сохранения, изучения, демонстрации и образовательной интерпретации предметов, имеющих научную, историческую или художественную ценность. Слово «музей» происходит от латинского слова muses, что означает «источник вдохновения» или «возможность погрузиться в свои мысли».»

НАРРАТИВНАЯ ЖИВОПИСЬ

Картина, в которой сюжетная линия является доминирующей чертой.

NATURALISTIC

Описывает произведение искусства, которое очень похоже на формы в естественном мире.

ОТРИЦАТЕЛЬНОЕ ПРОСТРАНСТВО

Пространство на картине вокруг изображенных объектов.

НЕОКЛАССИЦИЗМ

— «Новый» классицизм — стиль западного искусства XIX века, отсылающий к классическим стилям Греции и Рим.Картины неоклассицизма отличаются резкими очертаниями, сдержанными эмоциями, продуманной (часто математической) композицией и холодными цветами.

НЕО-ЭКСПРЕССИОНИЗМ

— «Новый» экспрессионизм — термин, первоначально применяемый к работам, выполненным в основном немецкими и итальянскими мастерами, достигшими зрелости в послевоенную эпоху; а позже расширилась (в 1980-х), включив в нее некоторых американских художников. Неоэкспрессионистские работы изображают сильные эмоции и символизм, иногда с использованием нетрадиционных материалов и ярких цветов с бурными композициями и предметами.

НЕЙТРАЛЬНО

Без оттенка — черный, белый или серый; иногда загар достигается за счет смешивания двух дополнительных цветов.

НЕОБЪЕКТИВНЫЙ

Совершенно непредставительный; чистый дизайн; полностью абстрактный.

OP ART

Сокращение от оптического искусства, популярного в 1960-х годах стиля, основанного на оптических принципах и оптической иллюзии. Op Art имеет дело со сложными цветовыми взаимодействиями до такой степени, что цвета и линии кажутся вибрирующими перед глазами

ОПТИЧЕСКАЯ ЦВЕТОВАЯ СМЕСЬ

Тенденция глаз смешивать пятна отдельных цветов, расположенных рядом друг с другом, чтобы воспринимать другой, комбинированный цвет.Кроме того, любой художественный стиль, использующий эту тенденцию, особенно пуантилизм Жоржа Сёра.

ORGANIC

Изображение, которое показывает отношение к природе в отличие от изображений, созданных руками человека. Любая форма, которая напоминает естественную форму или предполагает естественный процесс роста или расширения.

ОРГАНИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО

Форма искусства, которая подчеркивает объект, живой сам по себе, а не надуманный.

ЭФФЕКТ НАКЛАДКИ

Пространственные отношения достигаются путем размещения одного объекта перед другим.Ближайший к зрителю объект блокирует обзор любой части любого другого объекта, расположенного за ним (или, если два объекта перекрываются, скрытый сзади скрывается).

ЖИВОПИСЬ

Описание картин, в которых формы определяются в основном цветовыми областями, а не линиями или краями. Где заметны мазки художника. Любое изображение, которое выглядит так, как будто оно могло быть создано с использованием стиля или техник, используемых художником.

ПАСТЕЛЬ

Цветной мелок, состоящий из пигмента, смешанного с достаточным количеством связующего на водной основе, чтобы удерживать их вместе; произведение искусства, выполненное пастельными мелками; сама техника.Пастели различаются в зависимости от объема содержащегося мела … самые глубокие тона — это чистый пигмент. Пастель — это самый простой и чистый метод рисования, поскольку используется чистый цвет без жидкой среды, а мелки наносятся непосредственно на пастельную бумагу.

PATINA

Пленка или налет, часто зеленый, который образуется на меди и бронзе после определенного периода выветривания и в результате окисления меди. Различные виды химической обработки также вызовут появление бесчисленных цветных патинов на новых изделиях из бронзы.Бронзы могут быть дополнительно окрашены акрилом и лаком.

PENTIMENTO

Состояние старых полотен, в которых свинцовые пигменты со временем стали более прозрачными, обнажая более ранние слои.